Le Fonds national de création a été établi par le Centre national des Arts (CNA) et lancé le 1er novembre 2017. Chaque année, le Fonds investit deux millions de dollars dans le développement de neuf à onze créations canadiennes ambitieuses et passionnantes en théâtre, en danse, en musique et en arts d’interprétation interdisciplinaires.
Productrice artistique, Fonds national de création
Sarah Conn
Sarah Conn was appointed Artistic Producer of the NAC’s National Creation Fund in January 2024.
Sarah Conn is an interdisciplinary performance creator, producer, and curator. Her practice is centered in collaboration across disciplines, and the creation and dissemination of new performance. Her career layers together institutional and independent practice, collaborations with local communities and high-profile artists, international touring and hyper local work, and traditional and experimental productions. Her creative work includes site responsive performance installations and live art rooted in relationship and community, which have toured to festivals and galleries in Canada, Ireland, the Czech Republic, Switzerland, and England. Her research and writing focus on curatorial frameworks, creative process design, interdisciplinary collaboration, and the politics of co-existence. Her writing has been published in Canadian Theatre Review, Dance Research Journal and TURBA.
She is a passionate collaborator, and has supported hundreds of Canadian artists of all disciplines in the creation, presentation, and touring of work on national and international stages. As the National Creation Fund’s inaugural Artistic Associate and Senior Manager of Artist Engagement, she has collaborated with artists across Canada to create 88 bold new performance works, develop new creation methodologies, and drive emergent curatorial practices. The resulting productions have toured to 33 countries and won many awards, including the UK’s Olivier Award. She has developed partnerships with industry leaders including artEquity, Centre for Sustainable Practice in the Arts, and Fogo Island Arts.
Sarah holds a Master of Arts in Performance Curation from the Institute for Curatorial Practice in Performance. She is a recipient of the Ontario Arts Council’s Pauline McGibbon Award and is a Siminovitch Prize Protégé.
Sarah Conn a accédé au poste de productrice artistique du Fonds national de création du CNA en janvier 2024.
Sarah est une créatrice, productrice et programmatrice de spectacles interdisciplinaires. Sa pratique est centrée sur la collaboration entre les disciplines ainsi que sur la création et la diffusion de nouvelles productions. Sa carrière mêle projets institutionnels et indépendants, collaborations avec des communautés locales et des artistes de renom, tournées internationales et projets très locaux, et productions traditionnelles comme expérimentales. Ses créations vont d’installations-performances contextuelles à des projets d’arts vivants ancrés dans les relations et la communauté et ont été présentées de festivals en galeries au Canada, en Irlande, en République tchèque, en Suisse et en Angleterre. Dans ses recherches et travaux d’écriture, elle se penche sur les cadres de sélection d’œuvres, la conception de processus créatifs, la collaboration interdisciplinaire et les politiques de coexistence. Ses écrits ont été publiés dans Canadian Theatre Review, Dance Research Journal et TURBA.
Passionnée par la collaboration, elle a soutenu des centaines d’artistes au pays, toutes disciplines confondues, dans la création, la présentation et l’organisation de tournées de productions destinées à la scène nationale et internationale. En tant que première collaboratrice artistique et gestionnaire principale du soutien aux artistes du Fonds national de création, elle a travaillé aux côtés d’artistes des quatre coins du Canada pour monter 88 spectacles ambitieux, élaborer de nouvelles méthodologies de création et favoriser des pratiques de la scène émergentes. Ces productions ont été présentées dans 33 pays et ont remporté de nombreuses récompenses, dont un prix Olivier au Royaume-Uni. Elle a établi des partenariats avec des chefs de file du secteur comme artEquity, le Centre for Sustainable Practice in the Arts et Fogo Island Arts.
Titulaire d’une maîtrise en programmation de spectacles de l’Institute for Curatorial Practice in Performance, Sarah Conn a reçu le prix Pauline McGibbon du Conseil des arts de l’Ontario ainsi que le prix de la protégée Siminovitch.
Si vous avez des questions sur le Fonds national de création qui ne figurent pas dans notre liste de questions courantes, écrivez-nous à l’adresse Emily.Calongcagong@nac-cna.ca.
L’équipe de sélection
Notre équipe de sélection est composée de la productrice artistique du Fonds, de membres des équipes de direction artistique du CNA, et d’experts externes du milieu des arts de la scène. Pour chaque proposition reçue, une équipe de sélection comprenant la productrice artistique du Fonds, un membre des équipes de direction artistique du CNA et deux experts externes du milieu des arts de la scène évaluera dans quelle mesure le projet répond aux critères d’investissement du Fonds.
Nina Lee Aquino is a renowned Filipino Canadian director, dramaturg, artistic leader, teacher, and mentor. She previously served as Artistic Director at Cahoots Theatre (2009–2012) and Factory Theatre (2012–2022). Currently, Nina is the Artistic Director of the National Arts Centre English Theatre. She edited the country’s first two-volume Asian Canadian play anthology and co-edited the award-winning inaugural book on Asian Canadian theatre. In addition, she holds an adjunct professorship at York University's Theatre Department and serves on the board of directors for the Professional Association of Canadian Theatres. Her numerous accolades include the Canada Council for the Arts’ John Hirsch Prize for Directing, the Toronto Theatre Critics Award for Best Director, the Toronto Arts Foundation’s Margo Bindhart and Rita Davies Cultural Leadership Award, and three Dora Mavor Moore Awards for Outstanding Direction.
Nina Lee Aquino est une metteuse en scène, conseillère dramaturgique, directrice artistique, pédagogue et mentore d’origine philippino-canadienne. Directrice artistique du Cahoots Theatre de 2009 à 2012 et du Factory Theatre de 2012 à 2022, elle occupe actuellement le poste de directrice artistique du Théâtre anglais du Centre national des Arts. Elle a dirigé la publication des deux tomes de la toute première anthologie de pièces canado-asiatiques et a codirigé celle d’un premier ouvrage primé sur le théâtre canado-asiatique. Elle occupe également un poste de professeure associée au Département de théâtre de l’Université York et siège au conseil d’administration de l’Association professionnelle des théâtres canadiens. Parmi les nombreuses récompenses qui lui ont été décernées, mentionnons le prix John-Hirsch de mise en scène du Conseil des arts du Canada, un Toronto Theatre Critics Award pour la meilleure mise en scène, le prix de leadership culturel Margo Binhardt et Rita Davies de la Toronto Arts Foundation ainsi que trois prix Dora Mavor Moore pour la meilleure mise en scène.
Gestionnaire de la planification artistique, Orchestre du CNA
Daphne Burt
Daphne Burt is the manager of artistic planning for the Canada’s National Arts Centre Orchestra. With music director Alexander Shelley, she leads the program planning for the full season of the NAC Orchestra, where her passions are discovering new voices and supporting the work of Canadian artists.
Throughout her career in classical music, including programming for the Milwaukee Symphony Orchestra and the Saint Louis Symphony Orchestra, she has worked with a long list of conductors and composes alike, including Pinchas Zukerman, Oliver Knussen, Xian Zhang, Joana Carneiro, Howard Shore, Philip Glass, and Ana Sokolovic.,
As artistic manager for the Milwaukee Symphony Orchestra, Ms. Burt was a founding member of Symphonic Pops Consortium which, from within the orchestra industry, develops new programs of popular music for North American Orchestras.
Daphne has called Canada home for the past 20 years. She hails from south Georgia, where she learned bassoon and piano, and her childhood delights were old movies, marching band, and her family’s catfish restaurant.
Daphne Burt est gestionnaire de la planification artistique de l’Orchestre du Centre national des Arts. En partenariat avec le directeur musical Alexander Shelley, elle assure la planification de la programmation de la saison complète de l’Orchestre du CNA, où elle aime particulièrement découvrir de nouvelles voix ainsi que soutenir les œuvres d’artistes d’ici.
Au cours de sa carrière dans le domaine de la musique classique, notamment à la programmation de l’Orchestre symphonique de Milwaukee et de l’Orchestre symphonique de Saint-Louis, Burt a travaillé avec de nombreux chefs d’orchestre, compositrices et compositeurs, parmi lesquels Pinchas Zukerman, Oliver Knussen, Xian Zhang, Joana Carneiro, Howard Shore, Philip Glass et Ana Sokolović.
En tant que responsable artistique de l’Orchestre symphonique de Milwaukee, elle a été une membre fondatrice du Symphonic Pops Consortium qui, au sein même du milieu orchestral, concocte des programmes de musique populaire inédits destinés aux orchestres nord-américains.
Daphne Burt vit au Canada depuis une vingtaine d’années. Elle est originaire du sud de la Géorgie, où elle a appris le basson et le piano. Enfant, elle adorait les vieux films, les fanfares et le restaurant de poisson-chat de sa famille.
Productrice générale, Musique populaire et Variétés
Heather Gibson
Heather Gibson is the Executive Producer of Popular Music at Canada’s National Arts Centre in Ottawa. She is responsible for all non-orchestral music curation, summer season, and community programming at the National Arts Centre (NAC). Heather and her team work with artists from all backgrounds -- from the most exciting new artists to the all-time greats -- to bring the best of the world to the NAC's stages, and the best of Canada to the world.
Since joining the NAC team in 2016, Heather has been connecting and elevating artists via innovative and inclusive programs around the globe, including: Canada Day in Trafalgar Square, EXPO 2025 Osaka, EXPO 2020 Dubai, COP15, and the Global Network for Women Music Producers, an initiative to support women and non-binary music producers that so far totals 40 members in seven countries, offering an international network for producers and a resource for artists and record labels.
Heather’s commitment to the constantly evolving landscape of the arts continues by supporting emerging performers, and deliver an equitable representation on stages for women, BIPOC, and LGBTQ2S+ artists. She works to develop relationships around the world through diplomatic missions, international conferences and events, opening doors for Canadian artists on international stages. In a spirit of reciprocity and collaboration, Heather creates connections for Canadian artists worldwide to work with artists from different backgrounds and artistic sensibilities both in their home countries and supporting international tours in Canada.
Originally from Manitoba, Heather built her career in the performing arts in Halifax, where she was a successful artist manager, co-owner of Halifax's iconic listening room The Company House, and producer of multiple festivals and special events, including the Halifax Jazz Festival and In the Dead of Winter Music Festival.
Her work has garnered her a Women of Distinction Award, a Women in Music Canada Award for Excellence in Live Music, a Canada Screen Award, a Canadian Live Music award, and East Coast Music Awards.
In the past year she has somewhat predictably become passionate about pickleball.
Heather Gibson est la productrice générale de Musique populaire et variétés au Centre national des Arts du Canada (CNA), à Ottawa. Elle est responsable des activités non orchestrales, ainsi que de la programmation estivale et communautaire au CNA. Entourée de son équipe, elle travaille avec des artistes de tous horizons – des jeunes espoirs aux grandes vedettes – pour ouvrir la scène du CNA aux artistes du monde entier et faire rayonner les talents canadiens à l’international. Depuis son arrivée au CNA en 2016, elle s’attache à promouvoir et à épauler les artistes en prenant part à de nombreux programmes novateurs et inclusifs partout dans le monde. Parmi ceux-ci, mentionnons la fête du Canada à Trafalgar Square, les Expositions universelles d’Osaka (2025) et de Dubaï (2020), la Convention sur la diversité biologique à Montréal (COP15) et le Réseau mondial pour productrices musicales, une initiative visant à soutenir les femmes et les personnes non binaires spécialisées en production musicale. En plus d’être une plateforme de réseautage international, cette initiative qui réunit 40 membres de 7 pays sert de ressource pour les artistes et les maisons de disques. Attachée à un écosystème artistique en mouvement, elle appuie activement les nouveaux talents et œuvre à une représentation équitable sur scène des femmes et des artistes des communautés noires, autochtones, de couleur et 2ELGBTQ+. Des missions diplomatiques aux conférences et grands rendez-vous internationaux, elle ne cesse d’élargir son réseau mondial pour contribuer à faire connaître les artistes d’ici sur les scènes internationales. Dans un esprit d’échange et de collaboration, Heather Gibson facilite les échanges entre les artistes du Canada et les créateurs et créatrices aux horizons et aux sensibilités variés, tant dans leur pays d’origine que lors de tournées internationales au Canada.
Heather Gibson est originaire du Manitoba, mais c’est à Halifax qu’elle a bâti sa carrière dans le domaine des arts de la scène où elle a été agente d’artistes, copropriétaire de l’emblématique salle de spectacle queer The Company House, et productrice de nombreux festivals et événements spéciaux, notamment le Festival de jazz d’Halifax et le Festival de musique Dead of Winter.
Son travail lui a valu un prix Femme de mérite, un prix Women in Music Canada pour l’excellence de la musique en direct, un prix de l’Association canadienne de la musique sur scène, un Prix Écrans canadiens et des Prix de la musique de la côte est.
Au cours de la dernière année, elle a – sans grande surprise – développé une véritable passion pour le pickleball.
Kevin Loring (Nlaka’pamux, Lytton First Nation) is a Canadian playwright, actor, and director, currently serving as the first Artistic Director of Indigenous Theatre at the National Arts Centre. He has received numerous accolades, including the Governor General’s Award for English-language drama and the Jessie Richardson Award for Outstanding Original Script for Where the Blood Mixes (2009), which also received a nomination for the Dora Mavor Moore Award for Outstanding New Play. His 2019 work, Thanks for Giving, was shortlisted for the Governor General’s Award for Drama.
Loring began his studies at Cariboo College (now Thompson Rivers University) and completed his theatre education at Studio 58, Langara College. He was recognized as a distinguished alumnus by Thompson Rivers University in 2015 and later awarded an honorary doctorate in 2024. In 2017, he received the REVEAL Indigenous Arts Award from the Hnatyshyn Foundation, and in 2021, he was recognized with an honorary doctorate from the University of Ottawa.
As an actor, Loring’s stage credits include Saint Carmen of the Main, The Ecstasy of Rita Joe, and an all-Indigenous production of King Lear at the National Arts Centre in 2012. He has appeared in film and television series, including Arctic Air, Health Nutz, Pathfinder and Bones of Crows. His writing credits feature Little Red Warrior and His Lawyer, Battle of the Birds, and The Boy Who Was Abandoned. In 2023, he collaborated with true-crime author Peter Edwards on Lytton: Climate Change, Colonialism and Life Before the Fire, reflecting on the community’s history and its significance to the Nlaka’pamux people after the devastating wildfire in 2021.
Loring has served as co-curator of the Talking Stick Festival, Artist in Residence at the Vancouver Playhouse Theatre, and current Artistic Director of Savage Society in Vancouver.
Membre de la Première Nation Nlaka’pamux de Lytton, Kevin Loring est un dramaturge, un acteur et un metteur en scène canadien; il est le premier et l’actuel directeur artistique du Théâtre autochtone du Centre national des Arts. Il a reçu diverses récompenses, notamment le Prix littéraire du Gouverneur général en théâtre de langue anglaise et le Prix Jessie-Richardson du meilleur texte original pour sa pièce Where the Blood Mixes (2009), qui a également été mise en nomination pour un prix Dora Mavor Moore de la meilleure nouvelle pièce. En 2019, sa pièce Thanks for Giving a été finaliste aux Prix littéraires du Gouverneur général dans la catégorie théâtre de langue anglaise.
Après des études au Collège Cariboo (aujourd’hui l’Université Thompson Rivers), Kevin Loring parfait sa formation au Studio 58 du Collège Langara. L’Université Thompson Rivers lui a remis un Prix de distinction en 2015, avant de lui décerner un doctorat honorifique en 2024. En 2017, il a remporté le prix en art autochtone REVEAL de la Fondation Hnatyshyn et a reçu en 2021 un doctorat honorifique de l’Université d’Ottawa.
Au théâtre, on a pu le voir dans Saint Carmen of the Main, The Ecstasy of Rita Joe, et la production entièrement autochtone de King Lear au Centre national des Arts (2012). Au cinéma et à la télévision, il a joué dans Arctic Air, Health Nutz, Pathfinder (Le sang du guerrier, en VF) et Bones of Crows (L’ombre des corbeaux, en VF). Comme auteur, on lui doit notamment Little Red Warrior and His Lawyer, Battle of the Birds et The Boy Who Was Abandoned. En 2023, il a coécrit avec l’auteur spécialiste en affaires criminelles Peter Edwards, Lytton: Climate Change, Colonialism and Life Before the Fire, un ouvrage qui retrace l’histoire de Lytton et de la communauté Nlaka’pamux et s’interroge sur l’avenir de la ville après l’incendie dévastateur de 2021.
Kevin Loring a œuvré comme coorganisateur du Festival Talking Stick, artiste résident au Vancouver Playhouse Theatre et directeur artistique de la Savage Society à Vancouver.
Caroline Ohrt has held a variety of positions in various cultural organizations, acquiring a solid knowledge of the arts ecosystem, management and governance. She has built strong local, national and international professional network which allowed her to present the highest calibre artists from all over the world at the Place des Arts, Danse Danse’s home. While there, she developed many partnerships. She cultivated opportunities for artists and audiences to meet on multiple platforms, whether at the Musée d’art contemporain de Montréal, at the Arsenal art contemporain or virtually. She actively contributed to the growth of the organization and took to heart the support and development of artists, which remains a cornerstone of her work.
She has also held multiple positions in the world of contemporary arts, including with other dance organizations such as Compagnie Marie Chouinard and, more recently, at the Domaine Forget in Saint-Irénée. With a background in art history, Caroline has advised visual arts collectors and carried out assignments at the Montreal Museum of Fine Arts. She is recognized widely as a person in constant dialogue with the forces that shape contemporary creation.
Recognized for her innovative strategic vision, she is actively involved in the community through her participation on prominent boards and juries. She is vice-president of the Conseil des arts de Montréal and a board member of the École de danse contemporaine de Montréal. Her advice is highly valued for her keen understanding of the cultural milieu and artistic realities.
Le parcours de Caroline Ohrt aura forgé chez elle une solide connaissance de la danse, de l’écosystème des arts, de la gestion et de la gouvernance. Elle a su bâtir un réseau professionnel local, national et international qui lui a permis de présenter des artistes de haut calibre provenant de tous les coins du monde sur les différentes scènes de la Place des Arts.
Son passage à Danse Danse aura été marqué par le développement de partenariats structurants. Elle a cultivé des occasions de rencontres pour les artistes et les publics sur de multiples plateformes, que ce soit au Musée d’art contemporain de Montréal, à l’Arsenal art contemporain, ou de façon virtuelle. Elle a activement contribué à la croissance de l’organisme et a à cœur le soutien et le développement des artistes, pierre angulaire de son travail.
Connue dans le milieu des arts contemporains, elle a occupé de multiples fonctions et accompli des mandats auprès d’autres organismes de danse, notamment à la Compagnie Marie Chouinard et, plus récemment, au Domaine Forget de Saint-Irénée. Forte d’une formation en histoire de l’art, Caroline a aussi conseillé des collectionneurs en arts visuels et accompli des mandats au Musée des beaux-arts de Montréal. Elle est connue pour être une personne en constant dialogue avec les forces vives de la création actuelle.
Saluée pour sa vision stratégique novatrice, elle s’implique activement dans la communauté en participant à des conseils d’administration et des jurys de renom. Elle est actuellement vice-présidente du Conseil des arts de Montréal et administratrice de l’École de danse contemporaine de Montréal. Ses conseils sont recherchés pour sa fine compréhension du milieu culturel et des réalités artistiques.
A 2008 graduate of the National Theatre School of Canada, Mani Soleymanlou has lived in Tehran, Paris, Toronto, Ottawa and Montreal, and has worked with such acclaimed directors as Alice Ronfard (Les pieds des anges), Brigitte Haentjens (L’opéra de quat’sous), Claude Poissant (Rouge gueule, The Dragonfly of Chicoutimi), Serge Denoncourt (Projet Andromaque, Les trois mousquetaires), Olivier Kemeid (Furieux et désespérés), Denis Bernard (Ce moment-là) and Eric Jean (Variations sur un temps).
He is best known as the founding artistic director (2011) of the Montreal-based theatre company Orange Noyée. His distinctive artistic practice investigates notions of community identity (Un/One, Deux/Two, Trois/Three) and social relationships (Ils étaient quatre, Cinq à sept, 8). He pursued this approach more recently in Neuf [working title] and Zéro presented in fall 2019 in Montreal and Ottawa, and also in various artistic collaborations over the years: Lapin blanc, Lapin rouge, Les Lettres arabes II, and À te regarder, ils s’habitueront. Mani Soleymanlou was part of the impressive team behind Gabriel Dumont’s Wild West Show (premiered at the NAC in October 2017), as director and co-artistic director.
Mani Soleymanlou est sorti de l’École nationale de théâtre du Canada en 2008. Celui qui a vécu à Téhéran, Paris, Toronto, Ottawa et Montréal joue alors au théâtre sous la direction de metteurs en scène comme Alice Ronfard (Les pieds des anges), Brigitte Haentjens (L’opéra de quat’sous), Claude Poissant (Rouge gueule, The Dragonfly of Chicoutimi), Serge Denoncourt (Projet Andromaque, Les trois mousquetaires), Olivier Kemeid (Furieux et désespérés), Denis Bernard (Ce moment-là) et Eric Jean (Variations sur un temps).
Mais c’est surtout à la tête d’Orange Noyée, compagnie qu’il fonde en 2011, qu’il expose sa démarche singulière, interrogeant l’identité communautaire (Un, Deux, Trois) aussi bien que les interactions sociales (Ils étaient quatre, Cinq à sept, 8). Une démarche qu’il a poursuivi plus récemment dans Neuf [titre provisoire] puis Zéro présenté l’automne dernier à Montréal et Ottawa, mais également à travers différentes collaborations artistiques au fil du temps : Lapin blanc, Lapin rouge, Les Lettres arabes II et À te regarder, ils s’habitueront. Mani Soleymanlou a fait partie de l’imposante équipe duWild West Showde Gabriel Dumont, créé au CNA en octobre 2017, à titre de metteur en scène et codirecteur artistique.
Organisatrice en arts de la scène, animatrice et consultante
Erin Clark
I believe that producers sit at a critical junction for meaningful inclusion and access on behalf of disabled creators and performers in the Canadian arts ecosystem. As a producer, I navigate the contradictions between disability culture and mainstream culture by exploring what is accomplished or lost by taking a disability narrative or process to the mainstream.
I am a wheelchair user, a circus performer, an award-winning and New York Times-recommended author, a stage actress, and world champion pole dancer. I have constellated all these elements in every configuration of performance art I could imagine and presented in film, on stage, in text, and on social media. Wherever I could access expression, I did. Since I often had to create and produce my own opportunities (formal pathways to success in the arts being inaccessible from education all the way to the stage), the element of production itself often became a trope in my work. By necessity, I move in the world as defined by my wheelchair —its limits, my body’s limits. Simultaneously, I have also had the privilege of living, training and performing all over the world. I am informed by the co-existence of my privileges and disadvantages and am so grateful for how that has exposed me to so many ways of producing, creating, and performing within the disabled and inter-abled performing arts communities.
More specifically, producing my own work as a multi-media performance artist I co-created the aerial comedy duo Flaming Mermaid Broken Star (2013-2015) presenting shows in New York City. From that production, I translated the stage persona of ‘International Sex Icon’ into short film and self-portrait projects (2015-2020) that garnered international media attention through documentaries and interviews that were published in media outlets from the UK to India and the US. My most recent performance art piece, Visual Pleasure (2024), was a collaboration with academia combining a disabilities studies lecture with virtuosic aerial dance.
My practice as a producer centres around collaboration and adaptation, anchoring experimental vision with skill and practice in the belief that blazing a new trail can look like carefully preparing a wild path for smooth travel. If that involves acquiescing to ableist standards, is it a win? Instead of constantly working to penetrate the mainstream, how do you entice an audience to come to you in the beautiful margins? I want to produce immersive and euphoric storytelling and non-compromised disability narratives all while prioritizing a culture and environment of responsive accessibility.
Je pense que les productrices et les producteurs sont les mieux placés pour favoriser l’inclusion et l’accès des artistes et des interprètes en situation de handicap dans l’écosystème artistique canadien. À titre de productrice, je navigue dans les méandres tortueux de la culture des personnes en situation de handicap et de la culture dominante en explorant ce qui a été accompli ou perdu pour inscrire le handicap au cœur du modèle conventionnel.
Je suis une personne en fauteuil roulant, une artiste de cirque, une auteure primée et recommandée par le New York Times et une actrice de la scène qui a remporté le championnat du monde de danse à la barre verticale. Tous ces éléments parsèment mes créations artistiques, que ce soit sur pellicule, sur scène, sur papier ou dans les médias sociaux. Je saisis l’occasion dès qu’elle se présente ou, devrais-je dire, dès que je la crée puisque la voie classique du succès dans les arts n’est pas accessible – du système éducatif à la scène. C’est pourquoi la production se retrouve souvent au cœur de mon travail. Par nécessité, j’évolue dans un monde défini par mon fauteuil roulant – ses limites et celles de mon corps. J’ai également le privilège de vivre, de m’entraîner et de me produire dans le monde entier. Et c’est cette coexistence entre mes privilèges et mes désavantages qui alimente, à mon grand bonheur, mes productions, mes créations et mes interprétations au sein des communautés des arts de la scène des personnes en situation de handicap et mixtes.
Concrètement, j’ai cocréé et coproduit les spectacles du duo aérien comique Flaming Mermaid Broken Star à New York de 2013 à 2015. Le personnage d’« icône du sexe internationale » de cette production a fait l’objet d’un court métrage et d’autoportraits (2015 à 2020) qui ont attiré l’attention à l’étranger. De grands médias internationaux du Royaume-Uni à l’Inde en passant par les États-Unis lui ont consacré des reportages et des articles. Ma plus récente performance artistique, Visual Pleasure (2024), est le fruit d’une collaboration avec les milieux universitaires. Cette œuvre hybride est à la croisée de la conférence sur le handicap et de la danse aérienne.
Quand j’enfile la casquette de productrice, je me concentre sur la collaboration et l’adaptation, en ancrant la vision expérimentale dans les compétences et la pratique, convaincue qu’ouvrir une nouvelle voie s’apparente à définir le cap d’un voyage sans encombre. Pouvons-nous parler de victoire quand cela implique d’accepter des normes capacitistes? Arrêtons d’essayer de percer dans le courant dominant, commençons plutôt par nous demander comment attirer un public dans la beauté de la marginalité. Je souhaite produire des histoires immersives et euphoriques, des histoires sur le handicap sans compromis, tout en misant sur une culture et un environnement d'accessibilité réactive.
Artiste de la scène, réalisatrice et metteure en scène
Sylvia Cloutier
Sylvia Cloutier originally from Kuujjuaq, Nunavik (Northern Quebec) living in Iqaluit, Nunavut, is a mother, performing artist, producer, director, well known for performing Inuit throat singing and drum dancing. She has collaborated with many artists all over the world including Think of One from Belgium; Tafelmusik, a Toronto based baroque orchestra; Montréal based DJ Geronimo Inutiq and the National Symphony Orchestra.
Ms. Cloutier is the co-founder of a performance company Aqsarniit producing shows that promote Inuit culture for special events such as the Nunavut Celebration at the Museum of Civilization in April 1999, Toonik Tyme and Alianait festival in Iqaluit, Canadian North’s Nunavut Day Gala in 2007, fashion shows for the Government of Nunavut promoting the high fashion seal skin products.
Ms. Cloutier was the producer for a television series Inuit Piqqusingit with Inuit Communication Systems Limited in 2000 learning about Inuit survival skills across Nunavut. She has also been involved as a motivational speaker for youth events and has worked extensively with creating training for youth in creative projects while addressing social issues such as video production, the development of murals, social theatre, music, dance and circus.
She was the Artistic Director of Qaggiq theatre company in Iqaluit, project manager at the Northern village of Kuujjuaq and collaborator with Social Hip Hop projects with the Blueprints for life team working in Inuit communities in Nunavik and Nunavut. In 2009, Mr. Cloutier was managing the social Circus program CIRQINIQ as the Recreation advisor for Arts & Culture at the Kativik Regional Government, a program developed for youth in Nunavik in collaboration with Cirque du Soleil’s social circus department Cirque du Monde.
She joined her Excellency Governor General Michaëlle Jean on the state visit to Norway and Ukraine in 2009 and was named “Woman of the Year” by Pauktutiit, the national Inuit women’s organization and later received an award for “Outstanding young woman of the year” by Qullit Nunavut women’s organization in 2013. Sylvia is the producer and co-director of TULUGAK bringing together Inuit performing artists from Canada and Greenland since 2011. She is currently a television Producer at Inuit Broadcasting Corporation in Iqaluit.
Originaire de Kuujjuaq, au Nunavik (nord du Québec), Sylvia Cloutier est établie à Iqaluit (Nunavut). Mère, artiste de la scène, réalisatrice et metteure en scène, elle est renommée pour ses interprétations de danses du tambour et chants de gorge inuits. Elle a collaboré avec de nombreux artistes d’ici et d’ailleurs, dont Think of One (Belgique), Tafelmusik (ensemble de musique baroque établi à Toronto), DJ Geronimo Inutiq (Montréal) et l’Orchestre symphonique national.
Mme Cloutier est la cofondatrice de la compagnie artistique Aqsarniit, qui réalise des spectacles axés sur la promotion de la culture inuite pour des événements spéciaux comme les célébrations entourant l’inauguration du Nunavut au Musée canadien des civilisations en avril 1999, le festival Toonik Tyme à Iqaluit, le gala de Canadian North en l’honneur de la Journée du Nunavut en 2007 et des défilés de mode pour le gouvernement du Nunavut visant à promouvoir les vêtements et articles de mode en peau de phoque.
Mme Cloutier a réalisé la série télévisée Inuit Piqqusingit avec Inuit Communication Systems Limited en 2000, émission qui explorait les techniques de survie inuites au Nunavut. Elle a aussi participé à des événements jeunesse comme conférencière spécialiste de la motivation et s’est engagée à fond auprès des jeunes par l’entremise de projets créatifs (production vidéo, peinture murale, théâtre, musique, danse et arts du cirque) à vocation sociale.
Elle a été la directrice artistique de la compagnie de théâtre Qaggiq à Iqaluit et gestionnaire de projet à Kuujjuaq. Elle a collaboré aux projets de hip-hop à vocation sociale de l’équipe de Blueprints for life dans diverses communautés inuites du Nunavik et du Nunavut. En 2009, Mme Cloutier a géré le programme de cirque à vocation sociale CIRQINIQ en tant que conseillère en loisirs (arts et culture) pour l’Administration régionale Kativik. Ce programme à l’intention des jeunes du Nunavik a été conçu en collaboration avec Cirque du Monde, le département de cirque social du Cirque du Soleil.
Sylvia Cloutier s’est aussi jointe à Son Excellence la gouverneure générale Michaëlle Jean à l’occasion de sa visite officielle en Norvège et en Ukraine en 2009, et elle a été nommée « femme de l’année » par l’association nationale de femmes inuites Pauktutiit. En 2013, l’organisation féminine Qullit Nunavut lui a décerné le titre de « jeune femme s'étant le plus distinguée au cours de l’année ». Mme Cloutier est la productrice et codirectrice du collectif TULUGAK, qui réunit des artistes de scène inuits du Canada et du Groenland depuis 2011. Elle travaille actuellement comme réalisatrice de télévision à l’Inuit Broadcasting Corporation (Iqaluit).
Création, production et expertise-conseil en accessibilité des arts
Shay Erlich
Shay Erlich (they/them) is a disability justice world builder living in T:karonto. Their work both creatively and professionally reimagines a disability-centered world where disabled people are empowered to love themselves and live free from stigma, shame, and ableism.
They are a champion of disability inclusion in the arts and media sector – working with organizations such as the City of Toronto Arts and Culture department, Canada Media Fund, DAWN Canada, the National Arts Centre – National Creation Fund; where Shay is a disability-arts curatorial advisor. Shay hosts trainings and develops professional development programs for arts organizations that facilitate the development of meaningful disability inclusion in the field. This includes leading Designing Accessible Futures, a first of its kind leadership development program for emerging disabled artists which also reported on the barriers emerging disabled artists face. Additionally Shay has provided accessibility support to a number of arts festivals across Tkaranto including Luminato Festival, the CoMotion Festival, and the Contact Dance International Film Festival. They are also currently involved with a number of projects as a disability dramaturg developing artistic and creative access to live performance. Shay’s writing on the arts can be found in many publications including The Dance Current, alt.theatre, and The Cripsters.
Shay holds both a BA and MA in Child and Youth Care from Toronto Metropolitan University, and is an accomplished scholar on disability justice and Child and Youth Care practice. They spoke at the 2021 Ontario Child and Youth Care conference as the keynote on their work with the Cyborg Circus Project (2018-2021), a disability-justice informed community arts and social service organization for disabled young people. Shay has also developed curriculum on disability justice and Child and Youth Care for Toronto Metropolitan University and Humber College. Their work on disability and Child and Youth Care can also be found in a number of Child and Youth Care publications including a chapter in Child & Youth Care Across Sectors: Canadian perspectives (2019). Shay and co-presenters were also the first to develop a workshop on Medical Assistance in Dying and Child and Youth Care practice on the implications of Bill C-7 on Child and Youth Care as a profession.
Their body of work also includes a significant dance career. Shay was a co-choreographer and dancer of A Provocation on Wheels I and Safe Words (I didn’t say broccoli) with The Cyborg Circus Project. The film version of A Provocation on Wheels I was part of the festival circuit as a selected short at the Contact Dance International Film Festival, the ReelAbilities Film Festival (Toronto), and the Chinook Festival. Shay’s work with other dance companies includes Heart2Heart by Political Movement, and SPUR of the Moment Shakespeare Collective. Shay has participated in many prestigious residency and artistic development opportunities including The Inkling Incubator (2019), New Blue Kaeja d’Dance Creative Risk Residency (2019) and Dancing Disability Lab (2020). Recently Shay was the inaugural Accessible Futures artist in residence with North York Arts where they choreographed and produced a short dance film Landscapes: Love Letters to Willow which will debut on the festival circuit in later 2023.
Shay Erlich (iel), résidente de Tkaranto, travaille à construire un monde plus juste pour les personnes en situation de handicap. Son travail artistique et professionnel vise à réinventer un monde axé sur le handicap, où les personnes en situation de handicap sont encouragées à s’aimer et peuvent mener une vie exempte de stigmatisation, de honte et de discrimination.
Shay Erlich défend l’inclusion des personnes en situation de handicap dans le milieu des arts et des médias en collaborant avec diverses organisations, comme le service des arts et de la culture de la Ville de Toronto, le Fonds des médias du Canada, le Réseau d’action des femmes handicapées du Canada et le Fonds national de création du Centre national des Arts, où Shay occupe le poste d’expertise-conseil en accessibilité des arts. [MB1] Shay offre des formations et élabore des programmes de perfectionnement professionnel pour les organisations artistiques afin de favoriser une réelle inclusion des personnes en situation de handicap dans le domaine, comme Designing Accessible Futures, un programme de perfectionnent en leadership unique en son genre destiné aux artistes en situation de handicap de la relève, qui met aussi en lumière les obstacles auxquels ces personnes sont confrontées. De plus, Shay a appuyé plusieurs festivals de Tkaranto en matière d’accessibilité, dont les festivals Luminato et CoMotion, et le Contact Dance International Film Festival. En tant que dramaturge en situation de handicap, Shay collabore également à divers projets afin de rendre les spectacles plus accessibles. On peut lire ses écrits sur les arts dans de nombreuses publications, dont The Dance Current, alt.theatre et The Cripsters.
Shay est titulaire d’un baccalauréat et d’une maîtrise en éducation spécialisée auprès des enfants et des adolescents de l’Université métropolitaine de Toronto, et mène des recherches dans ce domaine ainsi que sur les droits des personnes en situation de handicap. Lors de la Conférence de l’Association ontarienne des techniques d’éducation spécialisées de l’Ontario en 2021, Shay a prononcé un discours portant sur le Cyborg Circus Project (2018-2021), une organisation axée sur les droits des personnes handicapées offrant des services sociaux et artistiques aux jeunes en situation de handicap. Shay a élaboré des programmes d’études sur les droits des personnes en situation de handicap pour l’Université métropolitaine de Toronto et le Humber College, et publié des articles sur le handicap et l’intervention auprès des enfants et des adolescents dans plusieurs publications spécialisées, dont Child & Youth Care Across Sectors: Canadian Perspectives (2019). Shay et ses collègues ont aussi été les premiers à présenter un atelier sur les conséquences du projet de loi C-7 sur l’aide médicale à mourir sur le travail d’intervenant auprès des enfants et des adolescents.
Dans le domaine de la danse, Shay a co-chorégraphié et dansé dans les productions A Provocation on Wheels I et Safe Words (I didn’t say broccoli) du Cyborg Circus Project. Le court métrage tiré de A Provocation on Wheels I a été présenté au Contact Dance International Film Festival, au festival de films ReelAbilities de Toronto et au Chinook Festival. Shay a aussi été interprète pour d’autres compagnies de danse, dont Political Movement (Heart2Heart) et Spur-of-the-Moment Shakespere Collective, en plus de prendre part à de nombreuses résidences et occasions de perfectionnement artistique, tels que : The Inkling Incubator (2019), New Blue Kaeja d’Dance Creative Risk Residency (2019) et Dancing Disability Lab (2020). Récemment, Shay a chorégraphié et produit le court métrage de danse Landscapes: Love Letters to Willow, qui fera la tournée des festivals à la fin de 2023, dans le cadre de la première résidence artistique du programme Accessible Futures de North York Arts.
Directrice générale, Assemblée canadienne de la danse
Karla Etienne
Karla Etienne is the Executive Director of the Canadian Dance Assembly and guest curator at Mandoline Hybride, a dance organization based in Gaspésie. She is a dance artist who has worked with Zab Maboungou/Compagnie Danse Nyata Nyata for more than 20 years. The first graduate of the organization's Programme de formation et d'entraînement artistique et professionnel en danse (PEFAPDA) and an accomplished dancer, Karla has been a part of Zab Maboungou's major works, including the emblematic Mozongi, winner of the Grand Prix du Conseil des arts de Montréal in dance, particularly for "the amazing performance of its performers" in 2015. She has collaborated as a dancer in projects by George Stamos, Kimberley de Jong, Katya Montaignac, Sophie Corriveau and Priscilla Guy.
Karla Etienne has a degree in environment and cultural management and continues to contribute as a performer, mentor, advisor and new philanthropist to artists and arts organizations. Interested in community philanthropy, she is co-founder and co-chair of Philanthropic Conversations in Culture.
Her commitment is recognized today, notably for the renewal of cultural policies concerning equity in the field of art, on all levels of practice, management and dissemination with the institutions and organizations that are responsible, including the Conseil des arts de Montréal. In 2021, she received the Nyata Nyata Stellar Award for service to the greater dance community.
Karla Etienne est directrice générale de l’Assemblée canadienne de la danse et artiste-commissaire invitée chez Mandoline Hybride, un organisme dédié à la danse établi en Gaspésie. Elle-même interprète, elle a travaillé avec Zab Maboungou/Compagnie Danse Nyata Nyata pendant plus de 20 ans. Première diplômée du Programme de formation et d’entraînement artistique et professionnel en danse et danseuse accomplie, elle a participé à plusieurs projets majeurs de Zab Maboungou, y compris l’emblématique Mozongi, qui a remporté le Grand Prix du Conseil des arts de Montréal en danse en 2015, en particulier pour « la performance stupéfiante de ses interprètes ». Elle a aussi collaboré à des projets menés par George Stamos, Kimberley de Jong, Katya Montaignac, Sophie Corriveau et Priscilla Guy.
Diplômée en environnement et en gestion culturelle, Karla Etienne continue de travailler comme interprète, mentore, conseillère et nouvellement philanthrope pour des artistes et des organismes artistiques. S’impliquant dans la philanthropie communautaire, elle est cofondatrice et coprésidente des Conversations philanthropiques en culture.
Aujourd’hui, son engagement est unanimement salué, notamment pour le renouvellement des politiques culturelles liées à l’équité dans le secteur des arts, à tous les niveaux de la pratique, de la gestion et de la diffusion auprès des établissements et organismes responsables, y compris le Conseil des arts de Montréal. En 2021, elle a reçu le prix Stellaire de Nyata Nyata pour sa contribution à la grande communauté de la danse.
A three-time Canadian Screen Award winner and International Film Music Critics Association Award nominee with over 100 composition credits to his name, Darren Fung (馮浩明) is a highly influential composer who is well-respected in the film, television and concert worlds. His work on Niobe Thompson’s The Great Human Odyssey and Equus: Story of the Horse received widespread critical acclaim, winning the 2016 and 2019 Canadian Screen Awards for Best Non-Fiction Music, and has been presented in concert with orchestras across Canada. His diverse credits include re-envisioning Canada’s beloved Hockey Theme for TSN, the theme music for CTV’s Canada AM, numerous orchestral arrangements for artists and orchestras internationally, and film scores that have been heard at prestigious film festivals around the world, including Toronto, Cannes, and Sundance.
In addition to composing, Darren serves on the Board of the Screen Composers Guild of Canada, the public policy leadership development program Action Canada, and as a Program Advisor for the Canadian Film Centre's Slaight Music Residency. In a feeble attempt to counteract the sedimentary lifestyle of a composer, Darren wakes up way too early rowing with the Los Angeles Rowing Club and stays up way too late playing hockey. He is rather awful at both.
Trois fois lauréat des prix Écrans canadiens et sélectionné aux Prix de l’Association internationale des critiques de films, Darren Fung (馮浩明) compte à son actif plus d’une centaine de compositions, ce qui fait de lui une figure influente et très respectée du monde du cinéma, de la télévision et de la musique. Les bandes originales qu’il a créées pour The Great Human Odyssey et Equus: The Story of The Horse de Niobe Thompson ont été encensées par la critique, récompensées du prix Écrans canadiens de la meilleure musique de documentaire (2016; 2019) et interprétées par des orchestres en concert partout au Canada. Darren Fung a réinventé le populaire indicatif du hockey de TSN; composé l’indicatif de Canada AM (CTV); effectué de nombreux arrangements orchestraux pour des artistes et ensembles à l’échelle internationale; signé la bande-son de films présentés dans les plus prestigieux festivals de cinéma du monde, y compris ceux de Toronto et Cannes, et le Festival de Sundance.
Il siège en outre au conseil d’administration de la Guilde des compositeurs canadiens de musique à l'image; participe à Action Canada, un programme de leadership en politiques publiques; et agit comme conseiller pour la résidence Slaight Music du Centre canadien du film. Pour sortir un peu de sa sédentarité, Darren Fung se lève bien trop tôt pour aller ramer au Los Angeles Rowing Club et se couche bien trop tard pour jouer au hockey. Sans grand succès dans les deux disciplines.
Professeur adjoint, SOTA (Université McMaster), artiste, activiste, universitaire
Syrus Marcus Ware
Syrus is a Vanier Scholar, visual artist, activist, curator and educator. Syrus uses painting, installation and performance to explore social justice frameworks and black activist culture. His work has been shown widely, including in a solo show at Grunt Gallery, Vancouver (2068:Touch Change) and new work commissioned for the 2019 Toronto Biennial of Art and the Ryerson Image Centre (Antarctica and Ancestors, Do You Read Us? (Dispatches from the Future)) and in group shows at the Art Gallery of Ontario, the University of Lethbridge Art Gallery, Art Gallery of York University, the Art Gallery of Windsor and as part of the curated content at Nuit Blanche 2017 (The Stolen People; Won't Back Down). His performance works have been part of festivals across Canada, including at Cripping The Stage (Harbourfront Centre, 2016, 2019), Complex Social Change (University of Lethbridge Art Gallery, 2015) and Decolonizing and Decriminalizing Trans Genres (University of Winnipeg, 2015).
He is part of the PDA (Performance Disability Art) Collective and co-programmed Crip Your World: An Intergalactic Queer/POC Sick and Disabled Extravaganza as part of Mayworks 2014. Syrus' recent curatorial projects include That’s So Gay (Gladstone Hotel, 2016-2019), Re:Purpose (Robert McLaughlin Gallery, 2014) and The Church Street Mural Project (Church-Wellesley Village, 2013). Syrus is also co-curator of The Cycle, a two-year disability arts performance initiative of the National Arts Centre.
Syrus is a core-team member of Black Lives Matter - Toronto. Syrus is a co-curator of Blackness Yes!/Blockorama. Syrus has won several awards, including the TD Diversity Award in 2017. Syrus was voted “Best Queer Activist” by NOW Magazine (2005) and was awarded the Steinert and Ferreiro Award (2012). Syrus is a PhD candidate at York University in the Faculty of Environmental Studies.
Lauréat de la bourse Vanier, Syrus Marcus Ware est artiste visuel, activiste, enseignant et organisateur de contenu. Il explore les structures de la justice sociale et de la culture d’activisme dans la population noire à travers la peinture, les installations et les prestations artistiques. Ses œuvres ont notamment été présentées à la galerie Grunt de Vancouver (exposition solo 2068 : Touch Change), à la Biennale des arts 2019 de Toronto (œuvre de commande) et au Centre de l’image Ryerson (Ancestors, Do You Read Us? (Dispatches from the Future) et Antarctica) ainsi que dans le cadre d’expositions collectives à l’Art Gallery of Ontario, aux galeries d’art des universités Lethbridge, York et Windsor, et à Nuit Blanche 2017 (organisation de contenu, The Stolen People; Won’t Back Down). Des festivals de tout le pays ont programmé ses prestations, telles Cripping The Stage (Centre Harbourfront, 2016 et 2019), Complex Social Change (Galerie d’art de l’Université Lethbridge, 2015) et Decolonizing and Decriminalizing Trans Genres (Université de Winnipeg, 2015).
Membre du collectif PDA (Performance Disability Art), Syrus a été le coprogrammateur de Crip Your World: An Intergalactic Queer/POC Sick and Disabled Extravaganza, présenté à Mayworks 2014. Parmi ses projets à titre de commissaire d’exposition, notons That’s So Gay (hôtel Gladstone, 2016–2019), Re:Purpose (galerie Robert McLaughlin, 2014) et le Church Street Mural Project (Church-Wellesley Village, 2013). Il a en outre été coorganisateur de l’initiative de deux ans du Centre national des Arts portant sur les artistes du spectacle handicapés.
Coorganisateur de contenu pour Blackness Yes!/Blockorama, Syrus est aussi l’un des membres principaux de Black Lives Matter (Toronto). Il a obtenu de nombreuses distinctions, tels le Prix TD de la diversité (2017) et le Prix Steinert & Ferreiro (2012). Sacré « Meilleur activiste queer » par le NOW Magazine en 2005, il est doctorant à l’Université York (Faculté des études environnementales).
créateur de théâtre, conservateur, responsable artistique
ted witzel
ted witzel (he/him) is a queer theatre-maker and artistic leader from toronto / tkaròn:to, and is the artistic director of buddies in bad times theatre. primarily a director, ted is also variously a dramaturg, curator, teacher, writer, translator, designer, and performer. he has worked with theatres and cultural organizations across canada, the uk, germany, and italy.
ted was a guest curator for the 2023 edition of the summerworks festival and is a member of the theatre committee at the toronto arts council. he recently completed a four-year tenure as artistic associate and laboratory director at the stratford festival, where he oversaw the company’s research and development programs. ted holds a masters of arts management from SDA bocconi and an MFA in directing from york university and canadian stage. in 2018, he was selected as an artistic leadership resident at the national theatre school, and was a member of the banff centre’s 2019 cultural leadership cohort. he has been artist-in-residence at harbourfront centre, buddies in bad times (toronto) and institut für alles mögliche (berlin).
recent directing credits include: sunny drake’s every little nookie (stratford festival), susanna fournier’s what happens to you happens to me (canadian stage), elizabeth rex (theatre@york), the scavenger’s daughter (buddies/paradigm) and LULU v.7 // aspects of a femme fatale (buddies/red light district).
originaire de toronto/tkaròn:to, ted witzel est un créateur de théâtre queer et le directeur artistique de buddies in bad times theatre. en plus de ses fonctions de directeur, il est aussi dramaturge, conservateur, enseignant, auteur, traducteur, concepteur et interprète. il a collaboré avec des théâtres et des organisations culturelles partout au canada, ainsi qu’au royaume-uni, en allemagne et en italie.
programmateur invité de l’édition 2023 du summerworks festival, ted witzel est membre du comité théâtral du conseil des arts de toronto. il a été pendant quatre ans artiste associé et directeur de laboratoire au festival de stratford, où il a chapeauté les programmes de recherche et développement de la compagnie. il est titulaire d’une maîtrise en gestion des arts de l’école SDA bocconi et d’une maîtrise en beaux-arts avec spécialisation en mise en scène de l’université york et de la canadian stage company. en 2018, il a effectué une résidence en leadership artistique à l’école nationale de théâtre du canada. l’année suivante, il a été membre de la cohorte en leadership culturel du centre des arts de banff. il a été artiste résident à l’harbourfront centre, au théâtre buddies in bad times (toronto) et à l’institut für alles mögliche (berlin).
récemment, il a signé les mises en scène d’every little nookie de sunny drake (festival de stratford), what happens to you happens to me de susanna fournier (canadian stage), elizabeth rex (théâtre de l’université york), the scavenger’s daughter (buddies/paradigm), et LULU v.7 // aspects of a femme fatale (buddies/red light district).
Spécialiste de l’interprétation LSQ/ASL pour musées et théâtres, artiste multidisciplinaire
Hodan Youssouf
Hodan Youssouf was born Deaf in Djibouti, near the Somalian border. Because her home country offered no specialized services for Deaf people, her parents decided to send her and her hearing brothers and sisters to France, where they were granted refugee status. In 1989, Hodan and her siblings immigrated to Canada.
Hodan lives with Waardenburg syndrome, a rare genetic condition, and her bright white hair and piercing blue eyes contrast dramatically with her dark skin. Her striking appearance immediately attracts attention, and adds a powerful visual dimension to her artistic performances. More than just a distinctive feature, her intense gaze becomes an expressive tool, capturing the raw emotion and depth of her characters on stage and screen.
Rooted in Montréal’s Black Deaf community, she has become a key figure in the city’s artistic and activist circles, inspiring a new generation of artists in Montréal and beyond. As an anti-oppression consultant, she advocates for the greater inclusion of Deaf and racialized artists within the artistic and cultural landscape. She is fluent in four languages: Quebec Sign Language (langue des signes québécoise, or LSQ), American Sign Language (ASL), English, and French.
She is passionate about the performing and media arts, and has appeared in several plays and short films. Her notable stage credits include roles in an ASL adaptation of Romeo and Juliet in Toronto, and in La Traversée, a bilingual LSQ/French touring production by Voyageurs Immobiles. She has also worked regularly with Cinéall, a Deaf video production company, particularly on short films, including Un homme fou s’aspire and Souviens-toi... un dortoir. She sang the role of Aphrodite in Bernard Adamus’s song “La part du diable,” on which she also worked as a research assistant. Together with four other Black Deaf women artists, she established the SURVIVANCE collective. They presented their debut production at the Clin d’œil festival in Reims, France, in 2022.
In 2021, Hodan co-created Those Roots Within, a contemporary dance duet exploring movement through identity, memory, and cultural roots. Her involvement as both co-creator and performer brought together the Deaf and hearing worlds, adding an unprecedented richness to dance. Her captivating performance once again showcased her talent for visual and emotional storytelling, and marked an important milestone in her artistic career.
In January 2025, after years of dedication and artistic partnerships, Hodan Youssouf received a grant from the Canada Council for the Arts to create and produce her first work.
Née à Djibouti en bordure de la Somalie, Hodan Youssouf est Sourde de naissance. Dans un pays où aucun service adapté aux personnes Sourdes n’existe, ses parents décident de l’envoyer, avec ses frères et sœurs entendants, en France, où ils obtiennent le statut de réfugiés. En 1989, elle immigre au Canada avec ses frères et sœurs.
Vivant avec le syndrome de Waardenburg, une condition génétique rare, elle arbore une chevelure blanche éclatante et des yeux d’un bleu vif perçant, contrastant avec sa peau sombre. Son apparence fascinante attire immédiatement l’attention et ajoute une dimension visuelle puissante à ses performances artistiques. Plus qu’un trait distinctif, son regard intense devient un outil d’expression, capturant l’émotion brute et la profondeur de ses personnages sur scène et à l’écran.
Ancrée dans la communauté noire sourde de Montréal, elle devient une figure incontournable du milieu artistique et militant dans le but d’inspirer une nouvelle génération d’artistes à Montréal et au-delà. Consultante anti-oppression, elle œuvre pour une plus grande inclusion des artistes Sourds et racisés dans le milieu artistique et culturel. Quadrilingue, elle utilise couramment la langue des signes québécoise (LSQ), l’American Sign Language (ASL), l’anglais et le français pour communiquer.
Passionnée par les arts de la scène et les arts médiatiques, elle cumule plusieurs rôles dans des pièces de théâtre et de courts métrages. Hodan participe à plusieurs productions marquantes, dont une adaptation en ASL de Romeo and Juliet à Toronto. De plus, elle a collaboré à de nombreuses reprises avec Cinéall, une maison de production vidéo sourde, notamment sur la réalisation de courts métrages dont Un homme fou s’aspire et Souviens-toi... un dortoir. Elle a interprété le rôle d’Aphrodite dans la chanson de Bernard Adamus, La part du diable et a aussi été assistante de recherche. On a également pu la voir sur scène dans La Traversée, pièce bilingue LSQ/français, en tournée avec Voyageurs Immobiles. Avec quatre autres femmes artistes sourdes noires, elle a créé le collectif SURVIVANCE. Elles ont présenté leur première pièce au festival Clin d’œil à Reims, en France en 2022.
En 2021, Hodan participe à la création de l’œuvre collective Those Roots Within, un duo de danse contemporaine qui explore le mouvement à travers l’identité, la mémoire et les racines culturelles. Sa présence et sa participation à titre de cocréatice de cette œuvre chorégraphique apportent une richesse inédite dans la danse, créant une fusion entre les mondes sourd et entendant. Son interprétation captivante démontre une fois de plus sa capacité à raconter des histoires de manière visuelle et émotionnelle, marquant ainsi une étape importante dans son parcours artistique.
Après des années d’engagement et de collaborations artistiques, Hodan Youssouf obtient une bourse du Conseil des arts du Canada en janvier 2025 pour créer et réaliser sa première œuvre.
Le Comité consultatif national regroupe d’éminents artistes et professionnels des arts qui représentent un éventail de disciplines, de langues, de cultures et de régions. Ce comité conseille l’équipe du Fonds national de création, mais ne prend pas les décisions d’investissement.
Premier chef des concerts jeunesse et ambassadeur communautaire
Daniel Bartholomew-Poyser
A passionate communicator with an international career, Daniel Bartholomew-Poyser brings innovation and meaning to the concert hall, fostering deep connections between audiences and performers. Daniel is concurrently Principal Youth Conductor and Community Ambassador of the National Arts Centre Orchestra, Principal Education Conductor and Community Ambassador of the Toronto Symphony Orchestra, Artist in Residence and Community Ambassador of Symphony Nova Scotia, Resident Conductor of Engagement and Education of the San Francisco Symphony, and Principal Guest Conductor of Ensemble Obiora. In 2025, the National Youth Orchestra of Canada appointed Daniel as its Music Director for the 2026 and 2027 seasons.
Daniel has guest conducted the New York Philharmonic, the Calgary Philharmonic Orchestra, the Chicago Symphony Orchestra, the BBC Concert Orchestra, the Los Angeles Philharmonic, the Baltimore Symphony Orchestra, the Canadian Opera Company Orchestra, l’Orchestre symphonique de Laval, the Cincinnati Symphony Orchestra, the Houston Symphony, the Carnegie Hall Link-Up Orchestra, the Detroit Symphony Orchestra, the Edmonton Symphony Orchestra, the Milwaukee Symphony Orchestra, the Modesto Symphony Orchestra, the Winnipeg Symphony Orchestra, the Vancouver Symphony Orchestra, the Regina Symphony Orchestra, the Sacramento Philharmonic, the Windsor Symphony Orchestra, the Kingston Symphony, the National Symphony Orchestra, and is the Music Director of the Kennedy Center Summer Music Institute. He served as Assistant Conductor of the Kitchener-Waterloo Symphony, Associate Conductor of the Thunder Bay Symphony Orchestra, and was Cover Conductor with the Washington National Opera.
In addition to his conducting career, Daniel hosts the Canadian Broadcasting Corporation’s (CBC) nationally broadcast weekly radio show Centre Stage. He was also the subject of an award-winning, full-length CBC documentary, Disruptor Conductor, which focused on his concerts for neurodiverse, prison, African diaspora, and LGBTQ2S+ populations.
Daniel earned his bachelor’s degree in music performance and education from the University of Calgary and his Master of Philosophy in performance from the Royal Northern College of Music in Manchester, England.
Communicateur passionné menant une carrière internationale, Daniel Bartholomew-Poyser apporte sens et innovation à la salle de concert, tissant des liens profonds entre le public et les interprètes. Il est actuellement premier chef des concerts jeunesse et ambassadeur communautaire de l’Orchestre du Centre national des Arts, premier chef des concerts éducatifs et ambassadeur communautaire de l’Orchestre symphonique de Toronto, artiste en résidence et ambassadeur communautaire de l’ensemble Symphony Nova Scotia, chef résident, Action communautaire et éducation de l’Orchestre symphonique de San Francisco, et premier chef invité de l’Ensemble Obiora. En 2025, il a été nommé directeur musical de l’Orchestre national des jeunes du Canada pour les saisons 2026 et 2027.
Il a dirigé l’Orchestre philharmonique de New York, celui de Calgary, l’Orchestre symphonique de Chicago, le BBC Concert Orchestra, l’Orchestre philharmonique de Los Angeles, l’Orchestre symphonique de Baltimore, l’Orchestre de la Canadian Opera Company, les orchestres symphoniques de Laval, de Cincinnati et de Houston, le Carnegie Hall Link Up Orchestra, les orchestres symphoniques de Detroit, d’Edmonton, de Milwaukee, de Modesto, de Winnipeg, de Vancouver et de Regina, l’Orchestre philharmonique de Sacramento, les orchestres symphoniques de Windsor et de Kingston et le National Symphony Orchestra. Il est aussi directeur musical du Kennedy Center Summer Music Institute et a été chef d’orchestre adjoint de l’Orchestre symphonique de Kitchener-Waterloo, chef associé de l’Orchestre symphonique de Thunder Bay et chef substitut de l’Opéra national de Washington.
En plus de sa carrière en direction d’orchestre, Daniel Bartholomew-Poyser anime l’émission de radio hebdomadaire Centre Stage sur les ondes nationales de la Canadian Broadcasting Corporation (CBC). Il a également fait l’objet d’un documentaire primé de la CBC intitulé Disruptor Conductor, qui portait sur ses concerts destinés aux populations neuroatypiques, au milieu carcéral, à la diaspora africaine et aux membres des communautés 2ELGBTQ+.
Il est titulaire d’un baccalauréat en interprétation et en enseignement de la musique de l’Université de Calgary et d’une maîtrise en philosophie (interprétation musicale) du Royal Northern College of Music de Manchester, en Angleterre.
Directrice des initiatives territoriales et des services aux clientèles, Conseil des arts de Montréal
Paule Beaudry
A true expert in the arts sector, Paule Beaudry has held key positions including Territorial Initiatives and Customer Service Director at the Conseil des arts de Montréal, Executive Director of La danse sur les routes du Québec and Assistant Executive Director at Réseau Scènes. She has also served in coordination and development roles at organizations like les journées de la culture, the Conseil québécois du théâtre and the Québec Association of Puppeteers.
Some of her significant achievements include helping develop dance outreach through major initiatives like Parcours Danse, a biannual international event, the Programme de développement de la danse and the Jouer dehors program. Her strategic vision has had an outsized impact on dance outreach, helping to spread the joy of dance throughout Quebec, Canada and the world and inspiring similar initiatives in other provinces in Canada and even in other areas of the arts.
Her passion for the arts and committed leadership has driven her to take on important responsibilities as a board member for the Conseil des arts et des lettres du Québec and chair of Artenso, a research centre for art and social engagement.
Paule Beaudry’s strategic vision, skill at mobilizing resources and partners and unflagging desire to help advance the arts and culture are unparalleled.
Paule Beaudry possède une vaste expertise dans le secteur des arts, ayant occupé des postes clés, dont ceux de directrice des initiatives territoriales et des services aux clientèles au Conseil des arts de Montréal, de directrice générale de La danse sur les routes du Québec et de directrice générale adjointe de Réseau Scènes. Elle a également été responsable de la coordination et du développement au sein de plusieurs organisations et programmes, notamment les journées de la culture, le Conseil québécois du théâtre et l’Association québécoise des marionnettistes.
Parmi ses principales réalisations, on retient la promotion de la diffusion de la danse par la mise en place d’initiatives majeures telles que la Biennale Parcours Danse, le programme de développement de la danse et le programme Jouer dehors. Sa vision stratégique a joué un rôle déterminant dans le rayonnement de la danse, contribuant à l’expansion de sa diffusion au Québec, au Canada et à l’étranger et ayant inspiré des initiatives similaires ailleurs au Canada et même dans d’autres secteurs artistiques.
Sa passion pour les arts et son leadership engagé l’ont conduite à assumer des responsabilités clés en tant que membre du conseil d’administration du Conseil des arts et des lettres du Québec et présidente d’Artenso – Centre de recherche en art et engagement social.
Paule Beaudry se distingue par sa vision stratégique, sa capacité à mobiliser des partenaires et des ressources et sa volonté constante à contribuer à l’épanouissement des arts et de la culture.
Directrice Principale, Education et Projets spéciaux, Place des Arts
Clothilde Cardinal
Cultural manager, artistic director, and mentor, Clothilde Cardinal has been active in the performing arts for over 40 years, holding roles in strategic advising, production, and programming. She joined the Programming team at Place des Arts in 2014, where she is currently Senior Director, Education and Special Projects. She has contributed to numerous boards of directors, advisory committees, and juries, both nationally and internationally. In 2016, she was named Chevalier des arts et des Lettres of France. She holds degrees in Cultural Organization Management (HEC Montréal) and Communications (UQAM). Her work is driven by a commitment to establishing the performing arts as a catalyst for social change.
Gestionnaire culturelle, directrice artistique, mentore, Clothilde Cardinal est active depuis plus de 40 ans dans le domaine des arts vivants, dans des fonctions de conseils stratégiques, de production et de diffusion. Elle entre en 2014 à la Programmation de la Place des Arts où elle est aujourd’hui Directrice Principale, Éducation et projets spéciaux. Elle a contribué à de nombreux conseils d’administration, comités consultatifs et jurys, nationaux et internationaux. En 2016, elle est faite Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres de France. Elle est diplômée en Gestion des organismes culturels (HEC Montréal) et en Communications (UQAM). L’affirmation des arts de la scène comme vecteurs de changement dans la société motive chacune de ses réalisations.
Erin Costelo is an award-winning Producer from Halifax, NS. She was named the 2017 and 2019 Music Nova Scotia Producer of the Year, the first woman to win the award since its inception.
Erin has a Bachelor of Music Degree in Jazz Studies and did her Graduate work in Composition with an emphasis on Electronic music, Multimedia and Performance Art.
As a Producer, she has worked with artists of varying genres, from classical instrumental music to Funk and R&B; and from Folk to Country. Erin’s philosophy of producing is to respect the song and bring out the best in the artists with whom she works. Her work has been honoured with multiple Music Nova Scotia, ECMA, CFMA nominations and a recent Juno nomination.
As a touring and recording artist herself, Erin’s albums have earned ECMA and MNS awards, extensive radio play across Canada, the US and Europe and have led to multiple tours in Canada, Europe, the UK and the USA.
As an ARRANGER – Erin has arranged for CBC Radio and CBC TV, she has written horn and string arrangements for Juno award winners Amelia Curran and Stephen Fearing and for critical darlings Al Tuck and Reeny Smith. She has received numerous commissions for her writing including the Upstream Ensemble, CBC Radio, Symphony Nova Scotia, the Blue Engine String Quartet and the hourglass ensemble.
Music produced by Erin:
“New Colossus” by Kaia Kater“What Remains” by Leanne Hoffman "Cross My Heart" by Joce Reyome
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CYNHYRCHYDD
Mae Erin Costelo yn gynhyrchydd o Halifax, Nova Scotia. Mae hi wedi ei henwi yn Gynhyrchydd y Flwyddyn Nova Scotia yn y 2017 a 2019, y ddynes cyntaf i ennill y wober erioed.
Mae gan Erin radd cerddoriaeth mewn astudiaethau jazz a'i gwaith ol radd mewn cyfansoddi gyda phwyslais ar gerddoriaeth electroneg aml-gyfryngol a celf perfformiadol.
Fel CYNHYRCHYDD, mae hi wedi gweithio gydag artistiaid o genres amrywiol, o gerddoriaeth glasurol oferynnol i funk ac r&b, o gerddoriaeth gwerin i ganu gwlad. Ei nod fel cynhyrchydd yw parchu'r gan ei hun gan ddod a'r gorau allan o'r artistiaid. Mae ei gwaith wedi ei ei gwbobrwyo yn gyson gyda Music Nova Scotia, ECMA, CFMA ac enwebiad ar gyfer gwobr Juno.
Fel CERDDOR, mae ei recordiau wedi ennill gwobrau ECMA ac MNS ynglyd a chael ei chwarae dros sawl gorsaf radio yn Nghanada, yr Unol Daleithiau ac Ewrop. Mae hyn wedi ei galluogi i deithio gyda'icherddoriaeth yn Canada, Ewrop, Lloegr a'r Unol Daleithiau.
Fel TREFNYDD cerddorol, mae Erin wedi trefnu cerddoriaeth ar gyfer CBC Radio a CBC TV, mae hi wedi sgwennu trefniannau llinynnol aar gyfr ennillwyr Juno Amelia Curran a Stephen Fearing a cerddorion megis Al Tuck a Reeny Smith. Mae hi wedi cael sawl comisiwn ar gyfer ei gwaith yn cynnwys i'r Upstream Ensemble, CBC Radio, Symphony Nova Scotia , the Blue Engine String Quartet a'r hourglass ensemble.
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Erin Costelo es una productora premiada de Halifax. Fue nombrada Productora del Año por Music Nova Scotia en 2017 y 2019, siendo la primera mujer en ganar ese premio desde su creación.
Erin tiene un título de grado en Música especializada en Estudios de Jazz y completó estudios de posgrado en Composición, con énfasis en música electrónica, multimedia y arte performático.
Como productora, ha trabajado con artistas de diversos géneros, desde la música instrumental clásica hasta el funk y el R&B por el folk y el country. Su enfoque de la producción consiste en respetar la esencia de cada canción y potenciar lo mejor de los artistas con quienes trabaja. Su trabajo ha recibido múltiples nominaciones de Music Nova Scotia, los ECMA y los CFMA, además de una nominación al premio JUNO. Como artista de estudio y de gira, Erin ha recibido premios ECMA y MNS por sus álbumes, que también han gozado de una amplia difusión radiofónica en Canadá y Estados Unidos. Además, ha realizado numerosas giras por Canadá, Europa, el Reino Unido y Estados Unidos.
Como arreglista, Erin ha trabajado con CBC Radio y CBC TV y ha compuesto arreglos para viento y cuerdas para los ganadores de premios JUNO Amelia Curran y Stephen Fearing, así como para Critical Darlings, Reeny Smith y Al Tuck. Ha recibido numerosos encargos de composición, entre ellos obras para Upstream Ensemble, CBC Radio, Symphony Nova Scotia, Blue Engine String Quartet y el Hourglass Ensemble.
Erin Costelo est une productrice primée originaire de Halifax (N.-É.). Première femme sacrée productrice de l’année par Musique Nouvelle-Écosse (MNÉ) en 2017, elle a de nouveau remporté ce prix en 2019. Costelo est titulaire d’un baccalauréat en musique (jazz) et d’une maîtrise en composition (musique électronique, multimédia et art performatif) de l’Université du Nord du Texas.
À titre de productrice, elle a collaboré avec des artistes œuvrant dans des genres variés allant de la musique instrumentale classique au funk et au R & B, en passant par les musiques folk et country. Sa philosophie de production est simple : respecter les chansons et faire ressortir ce que les artistes ont de meilleur. Le travail de production de Costelo a été mis en nomination pour plusieurs prix, y compris ceux de MNÉ, de l’AMCE, de l’AMFC et les JUNO. En tant qu’auteure-compositrice-interprète, elle a autoproduit plusieurs albums lauréats de prix de l’AMCE et de MNÉ, dont les chansons tournent beaucoup à la radio canadienne et européenne, et effectué de multiples tournées au Canada, en Europe, au Royaume-Uni et aux États-Unis.
En outre, Costelo a fait des arrangements pour CBC (radio et télévision); Amelia Curran et Stephen Fearing, primés aux JUNO (arrangements pour cor et cordes); et Al Tuck et Reeny Smith, « enfants chéris de la critique ». L’ensemble Upstream, CBC Radio, l’Orchestre symphonique de la Nouvelle-Écosse, le quatuor à cordes Blue Engine et l’ensemble hourglass lui ont tous commandé des œuvres.
CYNHYRCHYDD
Mae Erin Costelo yn gynhyrchydd o Halifax, Nova Scotia. Mae hi wedi ei henwi yn Gynhyrchydd y Flwyddyn Nova Scotia yn y 2017 a 2019, y ddynes cyntaf i ennill y wober erioed.
Mae gan Erin radd cerddoriaeth mewn astudiaethau jazz a'i gwaith ol radd mewn cyfansoddi gyda phwyslais ar gerddoriaeth electroneg aml-gyfryngol a celf perfformiadol.
Fel CYNHYRCHYDD, mae hi wedi gweithio gydag artistiaid o genres amrywiol, o gerddoriaeth glasurol oferynnol i funk ac r&b, o gerddoriaeth gwerin i ganu gwlad. Ei nod fel cynhyrchydd yw parchu'r gan ei hun gan ddod a'r gorau allan o'r artistiaid. Mae ei gwaith wedi ei ei gwbobrwyo yn gyson gyda Music Nova Scotia, ECMA, CFMA ac enwebiad ar gyfer gwobr Juno.
Fel CERDDOR, mae ei recordiau wedi ennill gwobrau ECMA ac MNS ynglyd a chael ei chwarae dros sawl gorsaf radio yn Nghanada, yr Unol Daleithiau ac Ewrop. Mae hyn wedi ei galluogi i deithio gyda'icherddoriaeth yn Canada, Ewrop, Lloegr a'r Unol Daleithiau.
Fel TREFNYDD cerddorol, mae Erin wedi trefnu cerddoriaeth ar gyfer CBC Radio a CBC TV, mae hi wedi sgwennu trefniannau llinynnol aar gyfr ennillwyr Juno Amelia Curran a Stephen Fearing a cerddorion megis Al Tuck a Reeny Smith. Mae hi wedi cael sawl comisiwn ar gyfer ei gwaith yn cynnwys i'r Upstream Ensemble, CBC Radio, Symphony Nova Scotia , the Blue Engine String Quartet a'r hourglass ensemble.
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Erin Costelo es una productora premiada de Halifax. Fue nombrada Productora del Año por Music Nova Scotia en 2017 y 2019, siendo la primera mujer en ganar ese premio desde su creación.
Erin tiene un título de grado en Música especializada en Estudios de Jazz y completó estudios de posgrado en Composición, con énfasis en música electrónica, multimedia y arte performático.
Como productora, ha trabajado con artistas de diversos géneros, desde la música instrumental clásica hasta el funk y el R&B por el folk y el country. Su enfoque de la producción consiste en respetar la esencia de cada canción y potenciar lo mejor de los artistas con quienes trabaja. Su trabajo ha recibido múltiples nominaciones de Music Nova Scotia, los ECMA y los CFMA, además de una nominación al premio JUNO. Como artista de estudio y de gira, Erin ha recibido premios ECMA y MNS por sus álbumes, que también han gozado de una amplia difusión radiofónica en Canadá y Estados Unidos. Además, ha realizado numerosas giras por Canadá, Europa, el Reino Unido y Estados Unidos.
Como arreglista, Erin ha trabajado con CBC Radio y CBC TV y ha compuesto arreglos para viento y cuerdas para los ganadores de premios JUNO Amelia Curran y Stephen Fearing, así como para Critical Darlings, Reeny Smith y Al Tuck. Ha recibido numerosos encargos de composición, entre ellos obras para Upstream Ensemble, CBC Radio, Symphony Nova Scotia, Blue Engine String Quartet y el Hourglass Ensemble.
Dani Fecko is a first generation Canadian of Czech and Slovak descent who lives on the unceded territories of the xʷməθkwəy̓əm, Skwxwú7mesh, and Səl̓ílwətaɬ Nations. She is Executive Director of Fascinator Management. Fascinator consults and coaches internationally and nationally providing curated connections, network program design, tour and producing guidance and strategic planning. She was a Leadership Fellow with the Association of Performing Arts Professionals and a Fellow with ISPA. Dani is a sessional instructor on Cultural Entrepreneurship at Simon Fraser University and is working towards her Human Resources Certificate at BCIT.
She lives with her piano-playing husband, Angus Kellett, as well as many pandemic plants.
Canadienne de première génération d’ascendance tchèque et slovaque, Dani Fecko vit sur les territoires non cédés des Nations xʷməθkwəy̓əm, Skwxwú7mesh et Səl̓ílwətaɬ. Elle est directrice générale de Fascinator Management, une agence qui offre aux artistes et aux organisations du monde entier des services de conseil et d’accompagnement pour faciliter les relations authentiques, les occasions de réseautage, l’organisation de tournées et de productions et l’élaboration d’une planification stratégique. Elle a été membre leader (Leadersip Fellow) de l’APAP (Association of Performing Arts Professionals) et membre de l’ISPA (International Society for Performing Arts). Dani Fecko est chargée de cours en entrepreneuriat culturel à l’Université Simon Fraser et termine son certificat en ressources humaines au British Columbia Institute of Technology (BCIT).
Elle vit avec son mari, le pianiste Angus Kellett, entourée de nombreuses plantes acquises pendant la pandémie.
Sarah/SGS works at the intersection of theatre, systems thinking, and cultural leadership, and co-stewards historic Birchdale. Formerly the Artistic Producer for the National Creation Fund (NAC). As part of her PhD, in Cultural Studies at Queen’s, she created Massey & Me: Conversations at the End of Theatre. This five-part series formally references the CBC Massey Lectures, and it reflects critically on the genealogical, political, and administrative structures that house professional theatre in Canada.
She is co-founder of SpiderWebShow and FOLDA, the Baby Grand Theatre, was the first female Artistic Director at Buddies in Bad Times, and was the inaugural Artistic Associate for The Magnetic North Theatre Festival.
SGS was named a 2022 Arne Bengt Johansson Fellow at The Banff Forum and returned in 2023. She was recently appointed to the board of Alberta Theatre and the Buddies Leadership Advisory Pilot and the National Advisory for the Creation Fund.
Sarah, alias SGS, travaille à la croisée du théâtre, de la pensée systémique et du leadership culturel, et co-gère du légendaire Birchdale. Elle a également été productrice artistique du Fonds national de création du CNA. Dans le cadre de son doctorat en études culturelles à l’Université Queen’s, elle a créé Massey & Me: Conversations at the End of Theatre, une série de cinq événements de réflexion faisant référence aux conférences CBC Massey. Dans le cadre de cette réflexion critique, SGS explore les structures généalogiques, politiques et administratives qui régissent le théâtre professionnel au Canada.
SGS a cofondé le SpiderWebShow, le Festival of Live Digital Art (FOLDA) et le Baby Grand Theatre, en plus d’avoir été la première directrice artistique du Buddies in Bad Times et la première collaboratrice artistique du Festival de théâtre Magnetic North.
En 2022, elle a été nommée boursière Arne Bengt Johansson du Banff Forum, avant d’y retourner l’année suivante. Depuis peu, elle siège au conseil d’administration de l’Alberta Theatre et au Comité consultatif national du Fonds national de création du CNA, et fait partie du projet pilote de consultation en leadership du Buddies in Bad Times Theatre.
Directrice générale chez Jessiman Family Investments Inc.
Heather Jessiman
Heather was born and raised in Winnipeg, Canada, and now resides in Toronto. Heather is the Managing Director at Jessiman Family Investments Inc., a private investment company, and Managing Director of The Jessiman Foundation, both headquartered in Winnipeg.
Driven by her passion for the arts, Heather founded B Street Collaborative, an arts incubator, featuring an innovative culture space that opened in 2023 in Toronto’s vibrant Annex neighborhood.
Heather is a board member of Crow’s Theatre and has previously chaired the Board of First Book Canada and served on the board of Brands for Canada. She actively participates in several volunteer committees, including Chair of the Conservatory Circle at the Royal Conservatory of Music, Member of the Winnipeg Symphony Orchestra Futures Committee, and Past Chair of the Opening Night of Art Toronto Fundraiser for the Art Gallery of Ontario.
Originaire de Winnipeg, Heather Jessiman vit aujourd’hui à Toronto. Directrice générale chez Jessiman Family Investments Inc., une société privée d'investissement, elle est aussi à la tête de la Jessiman Foundation, deux entités établies à Winnipeg.
Animée par sa passion pour les arts, elle a fondé un incubateur artistique, B Street Collaborative, qui comprend un espace culturel unique inauguré en 2023 au cœur du quartier branché de l’Annex, à Toronto.
Actuellement membre du conseil d’administration du Crow’s Theatre, elle a aussi présidé le conseil d’administration de First Book Canada et siégé à celui de Brands for Canada. Elle est activement engagée dans divers comités bénévoles occupant, entre autres, les postes de présidente du Conservatory Circle du Conservatoire royal de musique et de membre du Comité Futures de l’Orchestre symphonique de Winnipeg. Elle a également présidé la soirée d’ouverture de la collecte de fonds Art Toronto pour le Musée des beaux-arts de l’Ontario.
David Maggs carries on an active career as an interdisciplinary artist and researcher focused on arts, climate change, and sustainability. He is the founder and pianist for Dark by Five, has written works for the stage, and created augmented reality and virtual reality projects which have been included in the UK’s Future of Live Performance Spotlight Gallery. David is the artistic director of the rural Canadian interarts organization Camber Arts. He initiated and co-produced the CBC doc channel film The Country, exploring the Canadian government’s handling of Indigenous identity in Newfoundland. As a fellow at the University of Toronto’s Munk School for Global Affairs, David co-authored Sustainability in an Imaginary World (Routledge Press, 2020) with mentor and longtime collaborator John Robinson, exploring the relationship between art and sustainability. He is former senior fellow at the Institute for Advanced Studies in Sustainability in Potsdam, Germany, where he led work on culture and climate change.
Following the publication of Art and the World After This, David became the inaugural Fellow on Art and Society at the Metcalf Foundation. In collaboration with the UK Innovation Foundation NESTA, he co-authored Impact Investing in the Cultural and Creative Sectors: Insights from an emerging field, a report on groundbreaking work on impact investing in cultural and creative industries. David has been a featured speaker at the Canadian Arts Summit, The International Transdisciplinarity Conference (Leuphana), The American Association for the Advancement of Science (Vancouver), Swiss Federal Institute of Technology (Zurich), the International Association for Analytical Psychology (Berlin), The Arts of Living with Nature (Kyoto), and is the upcoming keynote speaker at the International Society of Music Educators this July in Helsinki.
David Maggs fait activement carrière en tant qu’artiste interdisciplinaire et chercheur spécialisé en art, changements climatiques et durabilité. Il est le fondateur et le pianiste de l’ensemble Dark by Five (page en anglais), a écrit des œuvres pour la scène et a créé des projets de réalité virtuelle et augmentée présentés dans le cadre de la galerie Spotlight: Future of Live Performance au Royaume-Uni. Il est le directeur artistique de l’organisation interdisciplinaire canadienne en milieu rural Camber Arts (page en anglais), et a conçu et coproduit le film documentaire de la CBC The Country, qui explore le traitement des questions d’identité autochtone à Terre-Neuve par le gouvernement canadien. En tant que boursier de l’École Munk des affaires internationales de l’Université de Toronto, David Maggs a coécrit avec son mentor et collaborateur de longue date John Robinson Sustainability in an Imaginary World (Routledge Press, 2020, page en anglais), qui explore les liens entre art et durabilité. Il a été agrégé supérieur à l’Institut d’études supérieures en durabilité de Potsdam, en Allemagne, où il a dirigé des projets sur la culture et les changements climatiques.
Après la publication de Art and the World After This (page en anglais), David Maggs est devenu le premier boursier en arts et société de la Fondation Metcalf. En collaboration avec la fondation d’innovation britannique NESTA, il a coécrit Impact Investing in the Cultural and Creative Sectors: Insights from an emerging field (page en anglais), un rapport présentant des travaux révolutionnaires sur les investissements à retombées sociales et environnementales dans les secteurs de la culture et de la création. Il a été conférencier pour le Sommet canadien des arts, la Conférence internationale sur la transdisciplinarité (Université Leuphana), l’American Association for the Advancement of Science (Vancouver), l’École polytechnique fédérale (Zürich), l’Association internationale de psychologie analytique (Berlin) et le symposium The Arts of Living with Nature (Kyoto); il sera également le conférencier principal lors du congrès de l’International Society of Music Educators en juillet à Helsinki.
Debbie Patterson is a Winnipeg playwright, director and actor. Trained at the National Theatre School of Canada, she is a founding member of Shakespeare in the Ruins (SIR), served as Theatre Ambassador for Winnipeg’s Cultural Capital year, and as Artistic Director of the Popular Theatre Alliance of Manitoba. She was the Carol Shields Writer in Residence 2012 at the University of Winnipeg and Playwright in Residence at Theatre Projects Manitoba in 2013/14. She served as Artistic Associate at Prairie Theatre Exchange (PTE) from 2012 to 2018 and was a member of the PTE Playwrights Unit.
She was honoured with the United Nations Platform for Action Committee’s 2014 Activist Award and the Winnipeg Arts Council Making a Mark Award in 2017. She was twice shortlisted for the Gina Wilkinson Prize. She is a proud advocate for disability justice through her work as founding and current Artistic Director of Sick + Twisted Theatre.
She lives a wheelchair-enabled life in Winnipeg and in a cabin on the shore of Lake Winnipeg with her partner and collaborator, Arne MacPherson. She is the matriarch of a family of artists.
Debbie Patterson est une dramaturge, metteuse en scène et actrice. Formée à l’École nationale de théâtre du Canada, elle est membre fondatrice de Shakespeare in the Ruins (SIR); a été nommée ambassadrice du théâtre l’année où Winnipeg a été capitale culturelle du Canada; et a été directrice artistique de la Popular Theatre Alliance of Manitoba. Elle a également été autrice en résidence Carol Shields à l’Université de Winnipeg en 2012 et dramaturge en résidence au Theatre Projects Manitoba en 2013-2014. Elle a occupé le poste d’associée artistique au Prairie Theatre Exchange (PTE) de 2012 à 2018, et a été membre de la Playwrights Unit (cellule dramaturgique) du PTE.
Elle a reçu le prix de l’activiste de l’année 2014 de la Platform for Action Committee des Nations Unies et le prix Making a Mark du Conseil des arts de Winnipeg en 2017. À deux reprises, elle a fait partie des finalistes au prix Gina Wilkinson. Elle est fière de défendre la justice pour les personnes handicapées par l’entremise de son travail en tant que fondatrice et directrice artistique du Sick + Twisted Theatre.
Elle mène une vie active en fauteuil roulant à Winnipeg et dans son chalet sur les berges du lac Winnipeg, avec son partenaire et collaborateur Arne MacPherson. Elle est la matriarche d’une famille d’artistes.
Devyani Saltzman is a Canadian writer, curator and cultural leader recognised internationally as one of the most compelling voices at the intersection of art, ideas and social change. With over fifteen years of senior leadership in major cultural institutions across two continents, she has consistently shaped the future of multidisciplinary practice on a global scale.
Most recently Director for Arts at the Barbican Centre — one of the world’s foremost multidisciplinary arts institutions — Saltzman reset its entire Artistic Vision, and positioned the Barbican as a thought leader in contemporary culture. Prior to London, she served as Director of Public Programming at the Art Gallery of Ontario, North America’s fourth largest museum, Director of Literary Arts at the Banff Centre, and founding Curator at Luminato, North America’s premier international arts festival. She was the first woman and first person of colour in each of these senior roles.
Auteure, commissaire et leader culturelle canadienne, Devyani Saltzman s’est imposée sur la scène internationale comme l’une des figures les plus influentes à la croisée de l’art, des idées et du changement social. Depuis plus de 15 ans, elle occupe des postes de haute direction au sein d’institutions culturelles majeures sur deux continents, où elle participe à redéfinir les contours de la création multidisciplinaire à l’échelle mondiale.
Comme directrice des arts du Barbican Centre, elle a insufflé une nouvelle impulsion à l’une des plus grandes institutions multidisciplinaires au monde et consolidé son influence sur la scène culturelle internationale. Avant son arrivée à Londres, elle a notamment dirigé la programmation publique du Musée des beaux-arts de l’Ontario, le quatrième plus grand musée d’Amérique du Nord, les arts littéraires du Centre des arts de Banff, et a été commissaire fondatrice de Luminato, l’un des principaux festivals internationaux d’arts multidisciplinaires du continent. Dans chacune de ces institutions, elle a été la première femme et la première personne de couleur à exercer de telles fonctions de direction.
Présidente et la vice-rectrice de l’Université de l’École d’art et de design de l’Ontario
Ana Serrano
Ana Serrano is an award-winning visionary leader with more than 25 years of experience in transforming organizations and creating cutting-edge programs to strengthen innovation and skills-building in the arts and culture sector and creative industries. An award-winning creative and innovator producer of more than 140 digital projects, she became President and Vice-Chancellor of OCAD University, Canada’s largest and oldest art and design university, in 2020. Previously, she was Chief Digital Officer of the Canadian Film Centre, founder of the centre’s Media Lab and co-founder of Canada’s first digital entertainment accelerator.
Leader visionnaire primée, Ana Serrano se consacre depuis plus de 25 ans à la transformation des organisations et à la création de programmes de pointe pour stimuler l’innovation et le développement des compétences dans les secteurs des arts, de la culture et de la création. Créatrice et innovatrice réputée, elle a produit plus de 140 projets numériques. Elle est depuis 2020 la présidente et la vice-rectrice de l’Université de l’École d’art et de design de l’Ontario, la plus grande et la plus ancienne université d’art et de design du Canada. Auparavant, elle a œuvré comme directrice de la stratégie numérique au Centre canadien du film, où elle a créé le laboratoire média (Media Lab), et a cofondé le premier accélérateur de divertissement numérique au pays.
Of Greenlandic descent, Laakkuluk Williamson was born in Saskatoon, and she has lived in Iqaluit since 2005. The need to uphold the founding stories of her culture against the ravages of colonialism is intrinsic to her artistic practice, which she has continuously diversified and transformed for over 30 years.
A founding member and artistic director of Qaggiavuut until 2021, an organization that promotes the conservation, development, and transmission of Inuit arts, Laakkuluk Williamson is also a curator, sculptural artist, actress, stage director, and poet.
In the installation Nannuppugut! (2021), which earned her the prestigious Sobey Art Award, she exhibited the skin of a polar bear that she killed while defending her family and honoured its spirit by projecting a video onto it, in which she performs a drum dance, engaging directly with the materiality and spirituality of the flesh, whether human or animal. A central element in her work is dialogue, especially with elders, whose stories she treats with love and reverence in Kiviuq Returns (2017-2019).
D’ascendance groenlandaise, Laakkuluk Williamson naît à Saskatoon et vit à Iqaluit depuis 2005. La nécessité de faire exister les récits fondateurs de sa culture sur les ravages du colonialisme est indissociable de sa pratique artistique qui se diversifie et se transforme continuellement depuis une trentaine d’années.
Membre fondatrice et directrice artistique de Qaggiavuut jusqu’en 2021, un organisme qui promeut la conservation, le développement et la transmission des arts inuits, Laakkuluk Williamson est également curatrice, sculptrice, actrice, metteuse en scène et poète.
Dans l’installation Nannuppugut! (2021), qui lui a valu le prestigieux Prix Sobey pour les arts, elle expose la peau d’une ourse polaire qu’elle a abattue pour défendre sa famille et honore son âme en y projetant une vidéo où elle exécute une danse au tambour, en prise directe avec la matérialité et la vie spirituelle de la chair, humaine comme animale. Elle accorde une place centrale à la conversation, notamment avec les aînés dont les histoires sont l’objet d’amour et de révérence dans Kiviuq Returns (2017-2019).
En septembre 2016, la Fondation du Centre national des Arts a annoncé sa toute première campagne de financement nationale pour soutenir la création de nouvelles œuvres au Canada. À ce jour, la Fondation a recueilli plus de 25 millions de dollars auprès de donateurs privés pour alimenter le Fonds national de création.
LE CENTRE NATIONAL DES ARTS ET LA FONDATION DU CENTRE NATIONAL DES ARTS remercient les personnes et organisations suivantes – ainsi que de nombreux autres généreux Canadiens et Canadiennes – pour leurs contributions à la Campagne d’appui à la création, qui vise à financer le Fonds national de création.
Gail Asper, O.C., O.M., LL.D., et Michael Paterson
Lewis Auerbach et Barbara Legowski
La Fondation Azrieli
Barry M. Bloom
Pierre Boulet et Rosemary Thompson
Kimberley Bozak et Philip Deck
Bonnie et John Buhler
Adrian Burns, LL.D., et Gregory Kane, Q.C.
Alice et Grant Burton
The Canavan Family Foundation
Le très honorable Joe Clark, C.P., C.C., A.O.E., et Maureen McTeer
Michel, Anju, Roman et Angelica Collette
Debbie Collins
Earlaine Collins
Barbara Crook et Dan Greenberg, Danbe Foundation
Thomas d’Aquino et Susan Peterson d’Aquino
Christopher Deacon et Gwen Goodier
Ian et Kiki Delaney
Amoryn Engel
Mohammed A. Faris
Susan Glass et Arni Thorsteinson
Dale Godsoe, C.M.
Shirley Greenberg, C.M., OOnt
Reesa Greenberg
Peter A. Herrndorf et Eva Czigler
Dr. Dianne Kipnes, C.M. & Mr. Irving Kipnes, C.M.
Ambassadeur Bruce Heyman et Vicki Heyman
D'Arcy L. Levesque
Cathy Levy et Martin Bolduc
L’honorable John Manley, C.P., O.C. et Judith Manley
Dr Kanta Marwah
M. Ann McCaig, C.M., A.O.E., LL.D.
Grant J. McDonald, FCPA, FCA et Carol Devenny
Heather Moore
Jane E. Moore
Janice et Earle O’Born
Gail O'Brien, LL.D. & David O'Brien, O.C.
Onex Corporation
Power Corporation du Canada
The Amir & Yasmin Virani Family Foundation
Helle Ottosen and Wade Smith
Karen Prentice, c.r.
The Alan & Roula Rossy Family Foundation
John et Jennifer Ruddy
J. Serge Sasseville
Barbara et Don Seal
Daniel Senyk et Rosemary Menke
The Late Mitchell Sharp, P.C., C.C. et Jeanne d'Arc Sharp
Alexander et Zoe Shelley
Carolyn et Scott Shepherd
Dasha Shenkman OBE, Hon RCM
Phil et Eli Taylor
Robert N C Tennant
Kenneth et Margaret Torrance
Donald Walcot
Jayne Watson
Zed Family
Anonymes (1)
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