proki

Эту картинку, я сделал посредством клавиши PrintScreen, просматривая рекламный ролик на сайте театра Габима к спектаклю «Потанцуй со мной» (תרקודי איתי). Уже из названия рецензии понятно: всё очень плохо, но постараюсь рассказать по порядку. Спектакль заявлен как человечная комедия, которая затрагивает до глубины души. Я, конечно, не настолько наивен, чтобы поверить этой декларации. Это – стандартная декларация, каждый израильский драматический театр имеет небольшой набор подобных деклараций, и абсолютно все спектакли предваряет какой-нибудь из имеющегося набора. Более того, краткий анонс сюжета позволяет понять, что это не комедия, а скорее всего драма, но изобилующая смешными сценами. Любой израильский любитель театра всё это знает не хуже меня, так для чего я это рассказываю? Предполагаю, что среди моих читателей есть и заграничные резиденты, возможно им это будет интересно, кроме того, мне важно подчеркнуть, чтО было ожидаемо в соответствии с вышеупомянутым анонсом. Также сообщалось, что спектакль снят по французскому фильму, что давало надежду на более-менее профессионально построенный сюжет, именно того, чего не хватает большинству израильских пьес. Именно это обстоятельство и сподвигло меня рискнуть на поход в Габиму.
Лирическое отступление. Театральная адаптация успешного фильма – нередкое явление в Израиле, и зачастую, не без успеха. Вот несколько моих рецензий, навскидку:
• Загнанных лошадей пристреливают, не так ли ?
• Канал Блаумильх (תעלת בלאומילך)
• Стены надежды (по фильму Побег из Шоушенка)
Вернёмся в скорбную реальность. Что мы – зрители – собственно увидели? Нелепую историю, с картонными персонажами, низкопробное комикование, подмену драматического искусства на танцевальную музыку с сомнительными танцами. В спектакле довольно много (по израильским меркам) действующих лиц, но среди них нет ни одного (!!), игру которого можно было бы отметить. Адаптация сюжета с французских реалий на наши местные порой была просто анекдотичной. Например, главная героиня – владелица и руководительница танцевального зала, требует от своих начинающих учеников, замечу, порой годящихся ей в отцы-матери, очень профессионального подхода к занятиям, только при таких обязательствах она согласна их принять. Де-факто мы видим абсолютно анекдотичную группу людей с бесформенными телами, одетыми в какие-то домашние тряпки и виляющими руками-ногами «кто в лес, кто по дрова».
Интересно, а кто же главные создатели спектакля?
Перевод и адаптацию исполнил Эрез Дриггс (ארז דריגס). В википедии написано, что он актер, переводчик и сценарист. Но, если актёрскому мастерству он учился (в актёрской студии Йорама Левинштейна), то ни переводу, ни сценарному делу, он нигде и никогда не учился. Что ж, не спорю, самоучки бывают иногда талантливее дипломированных специалистов, но это всё-таки исключение из правил, и судя по рецензируемому спектаклю, это – не наш случай.
Режиссёром-постановщиком значится דנה פלסר (Дана Палсер или Пелсер, не уверен как правильно произносится). Правда, она указана как ע. במאית, что, видимо, должно обозначать помощник режиссёра, но сам режиссёр нигде не указан, так что, это – она. Обращение к Википедии принесло сюрприз, Дана там не фигурирует. Тогда, я стал искать её в списках создателей других габимовских спектаклей. В спектакле «Машканта», она фигурирует в группе из 3 человек, обозначенных מנהלות הצגה (управляющие представлением)!? Честно говоря, я подобной должности ни в каких других театрах не видел, да и в Габиме вижу впервые. Подозреваю, что рецензируемый спектакль - её первый опыт в роли режиссёра (музыкально-танцевальную часть ставила не она, а соответствующий специалист).
В Габиме произошла смена главрежа. Моше Кэптена сменил Ноам Шмуэль. Он представил новый репертуар на 2026 год. Понятно, что злосчастный спектакль, сделанный «на коленке», практически дилетантами, это – не его «заслуга». Хочется верить, что при нём театр изменится к лучшему.

Два фото выше показывают сцены из новой постановки Стефано Пода «Дидона и Эней» в Израильской опере. Полагаю после его постановок - «Фауст» Гуно, «Сказки Гофмана» Оффенбаха, «Русалка» Дворжака – любой израильский любитель оперы знает о ком идёт речь. Если кто-нибудь всё-таки не знает или не помнит, кратко: это режисcёр, который превращает любую оперу в феерическое шоу (для примера – вот моя рецензия на оперу Русалка). К большому моему сожалению, данная постановка так и осталась просто шоу, без оперы.
Немного предыстории. Дидона и Эней – барочная опера Перселла, написанная в 1680-х годах (точная дата неизвестна). Понятно, что за 200 лет (!), ко времени своего расцвета, оперное искусство ушло далеко вперёд :

• Барочные музыкальные инструменты, подходящие для небольших камерных залов, ушли в прошлое, им на смену пришли инструменты, дающие яркое, громкое, мощное, способное заполнить большие концертные залы звучание.


• Барочные оперы исполнялись речитативом, что соответствовало барочной музыке. Множество редакций оперы доступны для исполнения даже непрофессиональным музыкантам и исполнителям, что, собственно, и обеспечило рост популярности «Дидоны и Энея» во второй половине XX века.


• Музыка оперы слишком проста и очень проигрывает в сравнении с операми Золотого Века (XIX - XX вв).                                                                     

​Также, важно заметить, что Израильская опера приняла решение поставить оперу, как можно ближе к оригиналу, для этого они заменили симфонический оркестр на оркестр «Barrocade», который исполняет барочную музыку на инструментах эпохи барокко, т.е. таких же, какие использовались при жизни автора оперы. Оригинальная опера включала танцы, но и оригинальная партитура, и танцы были утеряны. Собственно опера (без танцев) имела продолжительность 35-40 минут (напоминаю, опера написана 350 лет тому назад!).  Опера – в трёх действиях (актах), и танцы заполняли время в антрактах. Теперь давайте посмотрим, что представляла собой рецензируемая постановка:

• Помпезная постановка Стефано Пода


• Вместо танцев XVII века в антрактах – современный балет, являющийся неотъемлемой частью постановки (именно он снят на фотографиях выше)


• Барочная музыка и пение речитативом, но не в камерной атмосфере, а в огромном зале Израильской оперы.

Можно ли такую постановку назвать приближённой к оригинальной постановке XVII века? Вопрос является риторическим, конечно же нет. Хуже того, эта постановка – просто нелепость. Я не сомневаюсь в профессионализме сотрудников Израильской оперы, но видимо преобладала амбициозность чиновников.
Я смотрел последнее представление – 28 ноября. Аншлаг, в зале все места заняты, даже последний ряд балкона. К середине представления (опера идёт 1 час 15 минут, без перерыва, половина времени – балет без пения) многие откровенно скучают. Примерно за 15 минут до конца, вдруг раздаётся громкий голос сверху (реально, как будто голос бога с небес), зрители и артисты на сцене оцепенели. Голос вещает, что возникла техническая проблема, и поэтому они вынуждены прервать действие и опустить на несколько минут занавес. Оцепенение продлилось считанные секунды, занавес опустили, включили свет, и многие зрители воспользовались счастливой возможностью покинуть зал. Имхо, этот исход – самая красноречивая оценка от любителей оперы.

В этой рецензии будет много цитат, я думаю вы поймёте почему так. Для простоты ориентирования, цитаты будут в переводе на русский и курсивом, а остальное – стандартным фонтом.
14 сентября этого года на сайте Ynet появилась следующая информация: Группа toMix, которая в прошлом году уже поставила такие успешные мюзиклы, как «Чикаго» и «Энни», сегодня объявила о создании нового театра, где с 2026 года будут ставить мировую классику и оригинальные израильские произведения. Предполагаемый бюджет театра составит около 25 миллионов шекелей. Если понимать эту фразу буквально, то новый театр, именуемый
התאטרון קרית מוצקין уже создан, но мировую классику начнут ставить с 2026 года. Далее, в статье перечисляются разнообразные произведения, намеченные к постановке. В частности, вот этот фрагмент: Фильм Дрора Шауля «Сима Вакнин - ведьма» будет адаптирован для сцены Гилом Ари Коэном и Харелем Литманом под руководством Мориа Зархии. В фильме сыграют Эвелин Гоэль в роли Симы, проклинающей соседа и внезапно обнаруживающей, что проклятия имеют реальную силу. В ролях: Шломи Кориат, Омер Эцион, Даниэль Сабаг, Шарон Александр, Даниэль Хассин, Равит Яаков и Ной Азария. Видимо, постановочный процесс идёт с большим опережением (по крайней мере для произведений, не являющихся мировой классикой), потому что «Сима Вакнин - ведьма» уже на сцене, и именно этот спектакль – объект данной рецензии. Но до собственно рецензии, немного истории. Вышеупомянутый, одноимённый фильм Дрора Шауля вышел в далёком 2003 году. Фильма я не видел, поэтому прочитал всю доступную критику фильма. К моей удаче, компилировать всё написанное мне не пришлось, поскольку это уже весьма успешно сделал автор статьи об этом фильме в Википедии. Итак: Сима Вакнин (Тики Даян), бабушка и вдова уже год, хочет расширить свою квартиру, чтобы позволить своей семье жить вместе с ней. Глава домового комитета Дов Вассерман (Лиор Ашкенази) отказывает ей в этом, хотя остальные соседи согласились на ремонт. В порыве отчаяния Сима разражается проклятиями на Дова Вассермана (увольнение с работы, сгоревший дом, перееханный, болезни) и его семью (сердечный приступ у отца, перелом ноги у сестры, выкидыш у жены). К всеобщему удивлению, проклятия начинают сбываться одно за другим, отравляя жизнь Дова. Когда выясняется, что Сима – ведьма, её родственники открывают бизнес и требуют деньги в обмен на проклятия и благословения. Приходят толпы людей, Сима богатеет и знаменита. Но Сима – простая женщина, она страдает от ситуации и возложенной на неё ответственности и ищет убежища. Она находит его, когда начинает встречаться с отцом Дова, Леоном Вассерманом, который даёт ей возможность немного отдохнуть от рутины жизни. Когда семья узнает об этом, Сима вынуждена выбирать: жить без него или без карьеры.
Скрытые политические смыслы
В основе сюжета фильма лежат политические послания, направленные, главным образом, против движения «Ликуд» и его лидера Биньямина Нетаньяху. Наиболее острые послания раскрываются в финальных сценах фильма, где Сима Вакнин произносит речь перед народом, зачитывая текст, подготовленный для неё семьёй, и, сама того не осознавая, объявляет о своей кандидатуре на пост премьер-министра Израиля. На вопрос журналистов, присутствовавших в зале, какую платформу она возглавит в случае избрания, её маленький внук – Биби Анан – отвечает и подробно излагает свою политическую платформу, которая включает, среди прочего, порабощение меньшинств и иностранных рабочих, а также другие подобные предложения. Однако вместо того, чтобы выразить шок, зрители приходят в восторг и начинают подбадривать мальчика скандированием «Биби! Биби!» – так прозвали Нетаньяху. Таким образом, фильм пытается, по сути, утверждать, будто Нетаньяху или движение «Ликуд» поддерживают фашистскую концепцию, предложенную мальчиком, а подстрекаемая аудитория, по-видимому, приравнивается к избирателям «Ликуда». Это перекликается со знаменитым выпадом актрисы Тики Даян, играющей Симу в фильме, сделанным во время выборов в Кнессет пятнадцатого созыва и на пост премьер-министра, когда она заявила, что избиратели «Ликуда» — «чернь». Но это ещё не все политические послания фильма: пока «Биби» читает свою речь на пресс-конференции, Сима и Кенин уходят со сцены. Затем Вассерман, одетый как ультраортодокс и в кипе, нападает на неё с пистолетом в руках и угрожает застрелить, если она не снимет наложенное на него проклятие (сцена заканчивается тем, что его отец, Леон, появляется из-за спины и бьёт его молотком по голове. Вассерман падает на пол, а Сима и Леон уезжают с места происшествия на машине в сторону Пальма-де-Майорки). В конце этого отрывка, который был вырезан и включён в DVD-версию фильма, видно, как офицер Пинто подходит к лежащему на полу Вассерману, зачитывает ему его права и кричит: «Вы обвиняетесь в убийстве премьер-министра!», тем самым, по-видимому, сравнивая его с Игалем Амиром.
А вот критика художественных качеств фильма: … получил неоднозначные отзывы: одни сочли его сумбурным и незрелым, другие же хвалили неуместный юмор, красочность и человечность, особенно в эмоциональной составляющей. В рецензиях положительно отмечают актёрский состав, пусть и не всегда высокий уровень актёрского мастерства, и лёгкую красочность фильма, хотя вторая часть показалась зрителям трогательной до слёз. Минусы: Фильм не смешной в классическом понимании и местами напоминает «выпускной спектакль» с множеством незрелых моментов. Плюсы: Фильм лёгкий и красочный. Вторая часть тронула многих критиков. Актёрский состав: Актёрский состав понравился критикам, хотя можно отметить, что актёрская игра некоторых актёров не на высоте. Пожалуй, похоже на басню Михалкова «Слон-живописец», выслушали всех и всё свалили в кучу.
Теперь, когда мы ознакомились с предысторией пьесы, настало время рецензии.

Это маловыразительное фото, я сделал самолично, (никогда раньше не позволял себе подобных действий во время действия), поскольку понял, что нигде в сети (кроме ничего не выражающей афиши) я ничего не найду. Постараюсь упорядочить свои впечатления посредством изложения по определённым аспектам рецензии.
Декорации и костюмы.
Увы, ниже среднего. Но, будем снисходительны к новорождённому театру.
Актёрское мастерство.
Откровенно слабое. Понравился только мальчик, он в оранжевой футболке. Просто нечасто, тинэйджер играет полноценную роль – постоянно на сцене и немало текста – при этом играет никак не хуже взрослых.
Сценография.
Ужасная. Мне кажется, что постановщик решил показать марокканскую семью в соответствии со штампами 50-х годов. С первых минут и до последних минут действия, герои так громко орали (слово «разговаривали» тут явно не подходит), что захотелось немедленно покинуть зал. По своей сценографии, постановка соответствовала уровню любительского театра.
Нарратив.
Изложен выше в описании фильма, но с большими сокращениями.
Характеристика персонажей.
Зять Симы – простой как двери, его интересуют только деньги, дочь – очень толстая, по поводу финансов полностью поддерживает мужа. Они пытаются использовать Симу, спекулируя на том, что без пристройки дополнительной комнаты, они будут вынуждены оставить Симу одну и съехать с квартиры. Зять Симы по своим действиям, просто мошенник, и обманывает собственную тёщу. Сама Сима, характеризуется как честная женщина, но она слишком простая, чтобы понимать всю мерзость своих действий. Желание остаться жить вместе с семьёй дочки перевешивает все её сомнения. Дов Вассерман – проклятый сосед – карикатурный персонаж, абсолютно выпадающий из реальной концепции постановки.
Режиссура.
Как уже сказано выше - уровень любительского театра, а иногда ещё хуже. Как вам нравится, сцена, снятая мной для фото (я не выбирал, просто щёлкнул), посмотрите на актёра в левом углу сцены, он полностью закрывает собой другого актёра, которого можно опознать только по розовому костюму.
Что хотел показать режиссёр ?
Сие, тайна великая есть. Конечно, что-то он себе там придумал, но de facto это выглядит так: «ну очень смешной спектакль, чтобы простые люди, которые не воображают себя умниками, от души посмеялись». При этом, от всех «скрытых политических смыслов» осталось только высмеивание марокканцев и прочих восточных евреев, той самой «черни» - избирателей «Ликуда».
Эпилог.
Обычно, критики проявляют снисхождение к дебютным работам, не важно кого или чего. В данном случае рецензируется дебют театра, но ведь авторы адаптации, постановщик и актёры – они не дебютанты. И честно говоря, не хочется «снисходить» ниже плинтуса.

Рони Бродецки поставила в Бейт Лесин новый спектакль – «Всё о Еве». Никто сегодня не помнит кто такая Мэри Орр (Mary Оrr, см. картинку слева), но именно её рассказ, опубликованный в журнале Космополитэн в 1946 году, позже переработанный в радиопьесу, послужил основой великого фильма.  Фильм «Всё о Еве», снятый в 1950 году режиссёром Джозефом Лео Манкевичем,  стал хитом и классикой.

Достаточно упомнить, что фильм был заявлен в 14 номинациях на премию «Оскар»  (такого числа номинаций позднее добился только «Титаник» в 1997 году и «Ла-Ла Ленд» в 2016 году) и завоевал 6 из них, включая Лучший фильм, Лучший режиссёр, Лучший адаптированный сценарий, эти 3 Оскара достались Манкевичу!

Всё это я рассказал к тому, что нужно иметь немало смелости, чтобы взяться за постановку такой пьесы. Вкратце, о чем пьеса. «Всё о Еве» вводит зрителя за кулисы, театр с изнанки, борьба за место под юпитерами, в которой любые методы хороши. Главная героиня – стареющая прима, сильная женщина, для которой театральные подмостки – не место заработать, а весь её мир, свет и воздух, иными словами – смысл жизни. Но природа – неумолима, она стареет. Любопытное наблюдение, в спектакле ей исполняется … 29 лет. Видимо 80 лет тому, это был возраст, когда женщина переставала считаться молодой.

Главную роль - Марго Ченнинг - исполняет Мэги Азарзар (מגי אזרזר), и я не знаю, кто сегодня подошёл бы на эту роль лучше. Мэги Азарзар – очень сильная актриса, в любой сцене она привлекает внимание. Роль Марго Ченнинг идеально ложится на её амплуа – яркая, сильная прима. Именно от её игры в наибольшей степени зависит успех или неудача постановки. Несмотря на то, что пьеса называется Всё о Еве, сама Ева – это роль второго плана, её исполняет Сюзанна Папаян. Она – сабра, но её родители – из нашей алии. Теперь, собственно, о спектакле. Мне очень понравились костюмы (см. фотографии ниже), неплохи были и декорации, в частности, очень красивая сцена празднования дня рождения главной героини (см. фотографию выше). Ну и наконец главные номинации: игра и режиссура. Мэги Азарзар сыграла бесподобно. Она прожила на сцене свою роль, это было настолько убедительно, настолько талантливо …
Хочу поздравить Рони Бродецки с большим успехом. Её режиссура данной пьесы безупречна! Возможно, на наших глазах растёт Режиссёр с большой буквы «Р».


P.S. все фотографии взяты на сайте театра Бейт Лесин

Итак, Камерный поставил пьесу Сэмюеля Хантера «Кит». Хантер получил за свою пьесу Whale (Кит) премию Уайтинга в далёком уже 2012, но тогда это мало кто заметил и заинтересовался. Всё изменилось после выхода одноимённого фильма Даррена Ароновски в 2022 с Бренданом Фрейзером в главной роли. Фильм, с очень скромным бюджетом в $3,000,000 принёс создателям 54.9 миллиона дохода и собрал коллекцию из 9 престижных наград, в том числе Оскар за лучшую мужскую роль (Брендан Фрейзер). Так о чём же пьеса? В американской глуши, в штате Айдахо, живёт Чарли, ему слегка за 40, но он практически инвалид. Дело в том, что Чарли набрал вес в 600 фунтов, вся его жизнь проходит на диване, ходит он с большим трудом и только с ходунками, до которых самостоятельно не может даже дотянуться. Единственная его связь с внешним миром, это – ноутбук, посредством которого он онлайн преподаёт студентам писательское искусство. Стесняясь своего вида, он никогда не включает вэбкамеру, под предлогом, что она неисправна.  По ходу продвижения сюжета, выясняется, что 9 лет назад, Чарли оставил жену и 8-летнюю дочь, и стал жить с любовником. Но эта совместная жизнь закончилась трагически, его бойфренд, будучи глубоко религиозным человеком, не вынес конфликта между религией и гомосексуальностью, заморил себя голодом и умер. От переживаний Чарли стал бесконтрольно и много есть, в результате чего и оказался в нынешнем положении. Вследствии огромного веса, у него проблемы с сердцем, и он угасает, ему помогает только медсестра Лиз – сестра его покойного партнёра. Понимая, что времени ему отпущено немного, он хочет наладить отношения с дочкой, и хоть в какой-то мере возместить дочери то, чего он её лишил. Я рассказал вкратце о сюжете (чтобы рассказать обо всех сюжетных линиях, надо написать ещё много слов) только для того, чтобы иметь возможность описать проблематику пьесы, а проще - чтобы ответить на поставленный вопрос: так о чём же пьеса?

1. Главный герой – гей, тема жестокости церкви по отношению к гомосексуалистам проходит красной нитью через всю пьесу.


2. Рефлексия на тему религии занимает значительное место.


3. Но главный и объемлющий ответ на поставленный вопрос, эта пьеса - о человеколюбии!


4. А почему «Кит»? То, что Чарли ассоциируется с китом, выброшенным на берег, очевидно, но главное, как обычно, скрыто глубже:
   
   
   1. самое важное для Чарли эссе, это эссе одного из его студентов, по роману «Моби Дик», знаменует размышления Чарли о месте человека в мире, о его предназначении, о выборе: покориться неизбежности судьбы или бороться с ней.
   
   
   2. На изложенное в пункте [а] накладывается библейская притча о пророке Ионе, что хорошо отражено в пьесе, но затушёвано в спектакле (смотри последний абзац рецензии).
   
   

Принимая во внимание вышеизложенное, можно охарактеризовать пьесу как глубоко психологичную и философскую. Для её глубокого понимания требуется определённая эрудиция (ни в коем случае не хочу сказать, что остальным смотреть не стоит, каждый понимает то, что он понимает), и говорю я об этом только для того, чтобы далее рассказать, как режиссёр-постановщик затруднил восприятие и без того сложной пьесы.
Пришло время поговорить о спектакле.  Главную роль – Чарли – сыграл Двир Бенедек (דביר בנדק). Сыграл – замечательно, очень реалистично. Надо заметить, что это очень тяжёлая роль, в том числе и буквально! Ведь по роли Чарли весит 270 кг, его костюм включает очень тяжёлые накладки на тело (в фильме, Брендан Фрейзер носил накладки общим весом 136 кг!), и уверен в них очень жарко. А он на сцене всё сценическое время, ведь он не может никуда уйти, и даже почесаться не может. Сыграть такую роль – настоящий подвиг.
Теперь о постановке, режиссёр-постановщик Ирад Рубинштейн (עירד רובינשטיין). Несомненно, поставить столь глубокую пьесу очень непросто. Но Рубинштейн, не побоюсь резкости, сделал это очень плохо. Его сценография весьма оригинальна, но не очень удачна. Декорация представляет собой бесконечные стопки книг, образующие окружность. Между книгами поставлены редкие утилитарные предметы, например холодильник. Внутри окружности стоит диван – центр всего действия, и есть немного свободного пространства, всё вместе обозначает берлогу книжного червя. До сих пор – неплохо. На задник (в качестве экрана) проецируется плывущий кит. Видно его плохо, и что это добавляет к спектаклю? Видимо, т.о. режиссёр показывает, что Чарли постоянно о нём думает. Но это, как-то невпопад. Я бы ещё понял эти проекции во время чтения эссе о книге «Моби Дик», а так, ни с того, ни с сего? Т.е. всё время думает о Моби Дике? Далее, вышеописанная «книжная» окружность время от времени вращается. Для этого к ней приделаны маленькие колёсики, и её поворачивает одетый во всё чёрное (даже голова – в черном капюшоне) актёр, а по сути, рабочий сцены. Делается это по утилитарной причине – надо на авансцену выставить, то место окружности, которое релевантно по ходу действия, но в настоящий момент плохо видно залу. Но с какой таинственностью это происходит, человек во всём черном, с видимым усилием толкает окружность. Он во всём черном, голова в черном капюшоне и низко наклонена. Когда необходимо произвести какие-то перестановки реквизита на сцене, обычно гасят свет, и рабочие сцены делают свое дело, и это происходит не один раз в этом же спектакле. А тут поворот декорации выглядит как часть действия, начинаешь думать: что это значит: вроде как князь Тьмы вертит колесо Судьбы.
Ну и в конце, главная претензия: пьеса грешит длинными репликами, а сценография грешит тем, что эти реплики подаются спиной или в профиль к залу, причём в темпе подачи новостей по телевизору. Результат – текст плохо понятен, что ещё более затрудняет понимание столь сложной пьесы. Увы, в последнее время, слишком часто приходится упоминать, что режиссёры пренебрегают зрителями.
Я выразил свои претензии к сценографии спектакля, поскольку считаю их следствием пренебрежения азбучными истинами, что несомненно на совести режиссёра. Но печальнее всего становится совсем от другого факта, и тут обвинить режиссёра невозможно, ведь не обвинишь человека в недостатке таланта. При сравнении спектакля с пьесой, становится понятно насколько первое беднее второго. Персонаж Лиз (сестра покойного партнёра Чарли), очень упрощён, и это изменило суть характера Лиз. Персонаж Элли (дочери Чарли) раскрыт неполно, что не даёт зрителю достаточно информации понять её. Да и сам Чарли, его внутренний мир, скорее обозначен, чем показан. В отличие от невыразительной концовки спектакля, финал пьесы решен так: Чарли примирился с Богом, и согласно библейской притче, Бог приказывает киту выпустить его. В столбе божественного света, Чарли возносится на небо.  
P.S. в рецензии использованы фотографии с сайта театра.

Посмотрел в Камерном новый спектакль – Кто «за» (מי בעד). Это инсценировка испанской короткометражки, адаптированная под местные реалии (возможно, правильнее всё-таки пьеса, по мотивам испанской короткометражки). Авторы адаптации: Дэвид Биланка (דויד בילנקה) и Рони Бродецки (רוני ברודצקי), которая и поставила спектакль.

Сюжет такой: собрание жильцов, которые должны утвердить ремонт мамада. Всё проходит быстро и гладко, пока один из жильцов не объявляет, что он собирается сдать свою квартиру человеку, с определёнными психологическими проблемами. Спектакль декларирован как комедия.

В спектакле 8 действующих лиц и заняты 8 актёров. Семерых из них, можно видеть на фото выше, это – жильцы дома (восьмой, который не присутствует на фото, потенциальный арендатор квартиры). Поскольку сюжет полностью посвящен вышеуказанному собранию, естественно, что все актёры с фотографии всё время на сцене. При этом, статистов среди них нет, поэтому важно, чтобы все играли хорошо, и никто не выпадал из ансамбля. Сразу отмечу: действительно, все играли замечательно, никто не подкачал. Конечно, у каждого зрителя есть те, кто особенно понравился, в моём случае это исполнители наиболее эксцентричных ролей Надав Асулин (נדב אסולין), в оранжевом, и Кинерет Лимони (כנרת לימוני), в «леопардовом». Также хочу отметить Анат Ваксман (ענת וקסמן), крайняя справа, она играет председателя домового комитета. Она предельно серьёзно относится к своей должности и постоянно произносит кто «за», предлагая голосовать за очередное предложение. Казалось бы, это просто, каждый сможет, но это обманчивая простота. Не знаю, как она это делает, но по одной этой реплике можно понять суть её героини. В этом месте, я хочу подвести промежуточный итог: спектакль получился очень смешной, актёры играли замечательно, и особенно приятно, что это израильская инсценировка (пусть даже на зарубежной основе), она сделана профессионально и совершенно лишена типичных недостатков израильской драматургии.

Вот мы и подошли к роли постановщика. Ожидаемо, что я напишу, что постановщик талантливо справился со своей задачей, все актёры хорошо играют, зрители смеются без остановки, чего ещё требовать с режиссёра? Ну вообще-то режиссёр несёт ответственность абсолютно за всё, что касается постановки спектакля. Так что же было неудачно в данной постановке? В том-то и дело, что моя претензия касается сознательного новаторского режиссёрского решения построения сценографии спектакля. А если конкретнее и простыми словами: мне не нравится, что актёры располагаются на сцене в кружок. Вот так:

Это кадр из оскароносного фильма Владимира Меньшова Москва слезам не верит. На этом примере видны недостатки подобной рассадки актёров: у актёров на переднем плане лица не видны, а в дальнем левом углу человека вообще практически не видно. Тех, чьи лица не видно, и слышно будет плохо. Но это фильм, а не сцена театра. В фильме, камера меняет ракурс, т.о. что лицо говорящего всегда видно.

Rem. В данной сцене, никогда не показывается лицо девушки, сидящей в торце стола, спиной к

        зрителю, но это потому, что она 100% статист – занята только в этой сцене, не имеет текста, её

        показывают только так, со спины. 

Для чего Меньшов таким образом рассадил актёров, тут всё предельно понятно: подобная рассадка соответствует таковой в реальной жизни, и соответственно приближает к жизни весь фильм.

Однако вернёмся в нашу комедию. Смысл претензии к постановщику описан в моей рецензии предыдущего спектакля в постановке Рони Бродецки - вот линк – и резюмирован следующим пассажем: главная проблема состояла в том, как режиссёр поставил мизансцены, актёры произносили текст стоя спиной к зрителям, заслоняли один другого, либо вообще были не видны из-за высокого размера реквизита.

Две постановки – это уже творческий метод. Чего же добивается Бродецки, применяя свой новаторский метод? Я честно пытался это понять и вот всё, что я смог придумать:

1.       Примерно, как у Меньшова – приблизить мизансцену к реальной жизни

2.       Заставить зрителя испытывать неудобство, чтобы в результате возбудить его восприятие действия.

Опция 1 – тривиальна для понимания, но театр – это не кино, и не просто так уже 100 лет (если не более) будущих режиссёров учат располагать актёров за круглым столом – полукругом, а за прямоугольным – так, чтобы каждый был виден хотя бы в пол оборота. Учат азам построения мизансцены: актёры НЕ должны заслонять друг друга, нельзя подавать реплики спиной к зрителю, и тому подобные элементарные правила.

Опция 2 – это весьма изощрённая идея. Вопрос, работает ли это? Очень сомневаюсь. Кстати, вопрос о неудобстве для зрителей весьма неоднозначен. Много лет тому, в Ленинграде (ныне Санкт Петербург), я был на творческой встрече с Георгием Товстоноговым, одним из ведущих советских театральных режиссёров того времени. Некая пожилая дама, задала ему следующий вопрос: В таком-то спектакле, на сцену вывозят мотоцикл с работающим мотором, но ведь он сильно шумит и воняет, зачем это делать, зрителям это неприятно. На это он ей ответил: театр и не должен руководствоваться идеей, чтобы сделать зрителям приятно.

История театра и кино знает много примеров, когда классические каноны, аксиомы искусства, подвергались ревизии, но революционеры искусства появляются и исчезают, а реальные революции совершаются исключительно редко.

Резюмирую данную рецензию, спектакль мне очень понравился, он реально очень смешной. После просмотра второго спектакля, поставленного Рони Бродецки, я признаю её несомненный талант режиссёра. Однако будущим зрителям посоветую заранее быть готовым к её фирменной сценографии и покупать места не ближе 4-5 ряда, откуда они смогут видеть всех действующих лиц одновременно.

P.S. новаторский метод Рони Бродецки : кто «за»?

Так начинается первая загадка принцессы Турандот, заданная принцу Калафу. Но для любителей оперы, заполнивших на исходе субботы уютный зал Израильской оперы, это была не надежда, как для Калафа, это был призрак оперы, и Ллойд Вебер тут не при чем, это был дух Искусства, витавший в зале на последнем спектакле сезона.
12 июля, 39-й сезон Израильской оперы, завершился потрясающим успехом оперы Джакомо Пуччини «Турандот». И это вопреки разразившейся войне, перечеркнувшей график репетиций и представлений, вместо 10 запланированных репетиций состоялось только 3!

История создания оперы и некоторые её особенности
Турандот – последняя опера Пуччини, и он даже не успел написать финальный дуэт Турандот и Калафа (см. фото выше). Премьера состоялась в миланском Ла Скала 25 апреля под управлением друга композитора – Артуро Тосканини. По предсмертной просьбе Пуччини, Тосканини остановил спектакль на последнем такте, написанном рукой автора (после арии и самоубийства Лю), и обратился к публике со словами - Здесь перо выпало из рук композитора. Финал, написанный по наброскам автора, учеником Пуччини - Франко Альфано - впервые прозвучал только на втором представлении.
В наше время, «Турандот» ставится реже, чем другие оперы Пуччини, по простой причине: она написана для солистов с сильными голосами (точнее: требует огромных голосовых возможностей) и сложна для исполнения. Джакомо Пуччини, который к концу жизни был законодателем итальянской оперы, в «Турандот» продемонстрировал новый уровень владения хоровыми эффектами, а в её музыке больше драматической силы, чем во всех его предыдущих операх. Пуччини был великим мелодистом, но в «Турандот» нас восхищают не столько мелодии, сколько сложные, прихотливые гармонии, диссонансы и жесткий ритм.
Некоторые музыкальные критики, считают несколько затянутыми роли Пинга, Панга и Понга. Эти персонажи пришли в оперу из итальянской комедии дель арте, и на мой взгляд, их партии следовало бы сократить. Некоторые полагают, что проживи Пуччини дольше, он бы не только завершил оперу, но и успел бы её переработать, в том числе и произвёл бы вышеупомянутые сокращения. Однако их (Пинга, Панга и Понга) философский и политический комментарий к происходящему вскрывает механизм деспотии. Хотел ли Пуччини именно этого? Не знаю, и думаю сегодня никто не ответит на этот вопрос.
Кратко о постановке (текст взят из weekend-il)
Израильская Опера с гордостью представляет «Турандот» - последнюю, величественную и загадочную оперу Джакомо Пуччини. В грандиозной международной постановке задействовано более 200 исполнителей: певцов, музыкантов, танцоров и актёров.
Эта постановка - плод сотрудничества с Королевским оперным театром Ковент-Гарден в Лондоне (Royal Opera House, Covent Garden).
«Турандот» Джакомо Пуччини, который будет представлен в Тель-Авиве, является возобновлением легендарного спектакля Андрея Шербана. Премьера постановки состоялась 9 июля 1984 года, во время гастролей Королевской оперы в Лос-Анджелесе. Первое исполнение в Королевской опере Ковент-Гарден прошло 1 сентября 1984 года.
Постановка Андрея Шербана считается одной из самых знаковых интерпретаций «Турандот», став вехой в истории оперного театра.
В Израиле постановкой продирижирует Дан Эттингер, музыкальный директор Израильской Оперы. Эттингер дирижировал «Турандот» в Ковент-Гардене в 2017 году.
Кто пел в Тель Авиве
Заключительный спектакль пел 1-й состав.
Турандот – Елена Михайленко. У неё сильный и чистый голос, драматическое сопрано, Мне её пение понравилось.
Калаф – Александр Антоненко. Он один из международно известных спинто-теноров (по русской терминологии - меццо-характерный тенор) нового поколения. Обладатель мощного драматического тенора. Я обратил внимание, что в процессе исполнения, Антоненко постоянно контролировал положение гортани. Вызвано ли это какой-нибудь временной проблемой, либо недостатком техники исполнения, не знаю, но само пение нареканий не вызывало.
Антоненко пел партию Калафа и в Ла Скала, что с моей точки зрения – наилучшая характеристика. Говорят, что нашлись недовольные его исполнением в Милане, но это только потому, что они помнят в этой роли Паваротти. Действительно, ария Nessun dorma (Этой ночью никто не спит) в исполнении Антоненко даже не приближается к исполнению Паваротти, которое слышали сотни миллионов на открытии чемпионата мира по футболу 1990 года в Италии. Ниже, Калаф (Антоненко), сцена из 1-го акта.

Лю - Алла Василевицкая. Хорошо нам известная, потому что израильтянка. У Аллы лирическое сопрано, очень тёплого и красивого тембра. Это единственная лирическая партия в опере, и Василевицкая хорошо с ней справилась.
Несколько слов в заключение
Тот факт, что Джакомо Пуччини не успел завершить «Турандот», провоцирует современных композиторов к написанию альтернативных финалов. Так, например, в 2001 году это сделал итальянский композитор-авангардист Лучано Берио. По его версии Лю – это олицетворение любви – как противопоставление страсти и гордыни Калафа и Турандот, именно её жертва дает возможность главным героям в конце концов полюбить друг друга. Поэтому Берио в свой финал включил тему Лю – этой темой опера кончается.
Мы же увидели оригинальную оперу, с финалом написанным по заметкам Пуччини. Но не все с этим согласны, и указывают, что счастливый финал не согласуется с либретто. В финале Турандот должна была удалится как нефритовая статуя в окружении восточной роскоши и многочисленной охраны, а Калаф остаётся у её дверей, как будто у порога тайны. Как бы там ни было, опера «Турандот» сезона 2024-25 останется в нашей памяти, как замечательный спектакль, и войдёт в золотой фонд израильской оперы.

Посмотрел новый спектакль в Бейт Лесин – אמא (мама). Автор пьесы и постановщик – Хилель Мительпункт (ХМ – для краткости), что априори, имхо, не сулило ничего хорошего. ХМ – человек очень левых взглядов, и это несомненно отражается на его творчестве, помимо того факта, что он довольно посредственный и драматург и режиссёр, и это ещё мягко сказано. Новая пьеса – Мама – вроде бы написана под приму Бейт Лесин Йону Элиан-Кешет (יונה אליאן-קשת). Сюжет такой: женщина бросает семью - мужа и двух дочек - ради карьеры, уезжает в США, а через 40 лет возвращается, но лишь для того, чтобы возродить свою карьеру. Выяснение отношений между ней и её дочерьми (муж к этому моменту уже умер) и составляет весь сюжет пьесы. Подобный нарратив довольно широко представлен в мировой драматургии, и тем не менее весьма востребован и сегодня, по той простой причине, что он позволяет построить реальный жизненный сюжет, с интригами и неожиданными поворотами, создать камерную атмосферу насыщенную психологизмами и экскурсами в глубины души персонажей. Перед автором пьесы открываются неисчерпаемые возможности, ограниченные только его талантом драматурга. Для начала укажу, что мне понравилось в рецензируемой пьесе – она нигде не «провисала». ХМ смог поддерживать интригу в протяжении всей пьесы. Главный же недостаток пьесы – это её финал. Давно известно, что конец истории, будь это фильм, спектакль или повесть – неважно, может диаметрально изменить ваше мнение о произведении, и это был как раз подобный случай. ХМ, хотя и не очень ясно прорисовал своих героев, но всё-таки достаточно для того, чтобы зритель поверил в них и вынес свой вердикт. Автор, тоже всегда выносит свой вердикт, даже в случае, когда он принимает решение … не выносить вердикт, это тоже является законной возможностью автора. Ну и какой же вердикт вынес автор? Ещё до развязки, я задался вопросом: почему пьеса называется «Мама»? Именно развязка ставит все точки над i, но мне ничего не приходило в голову, кроме очевидного варианта: мама – всегда мама, другими словами, именно такой финал пьесы сделает обоснованным её название. И я не ошибся, к моему искреннему сожалению. Резюмирую суть пьесы. Женщина, ради карьеры, бросила свою семью, обрекла двух своих дочек на убогую и тяжёлую жизнь. И даже теперь, через 40 лет, её интересует только comeback – возрождение своей популярности, ради этого она готова отобрать у собственной дочери единственное её имущество – дом, который оставил ей отец, и за который она долгие годы выплачивала отцовские долги, и эта женщина объявляется автором мамой?
Теперь пришло время объяснить заголовок рецензии. Моё поколение, те, кто учились в советских вузах, прекрасно помнят название «Детская болезнь левизны в коммунизме». Это статья, написанная Лениным, мы все были обязаны её конспектировать независимо от того, что и где изучали. Мне показалось уместным перефразировать это название, чтобы показать, как политическая ангажированность автора влияет на его произведения. Итак, ХМ – человек левосторонний, это проявляется во всех его произведениях, что естественно,  ведь так он видит мир. В рецензируемой пьесе есть пара женщин, которые хотят жить одной семьёй и воспитывать общего ребёнка. Какое-нибудь присутствие ЛГБТ просто обязательно, если автор не хочет дать даже повода усомниться в своей левизне. Женщины ходят на протестные демонстрации на улицу Каплан. Главная героиня, пострадала из-за того, что на своём концерте во время первой ливанской войны обругала и войну, и правительство, и израильскую армию, после чего граждане страны устроили ей бойкот. Автор прямо не высказывает свою позицию по этому поводу, но между строк читается, что он сочувствует своей героине и считает, что с ней обошлись несправедливо. В свете сказанного выше, меня совсем не удивляет всепрощенчество автора, люди левых взглядов всегда защищают сирых и убогих, они живут в своих прекрасных фантазиях, где все люди рождаются хорошими, и всегда будут хорошими, надо только помогать им. «Левые» верят в утопические идеи, когда-то в коммунизм, сейчас – в мультикультурное общество, в будущем придумают что-нибудь новое. Их не волнует, что их теории приносят горе целым народам, ради светлого будущего можно и пострадать.
Да, он вор и бандит, говорят они, но ведь у него было трудное детство, его надо простить и помочь ему, дать ему второй шанс! (это после тех 3-5-7 шансов, что ему уже давали). Так и с нашей мамочкой, она ведь в душе очень любит своих дочек, мама – всегда мама! Я не знаю, как надо было бы завершить эту пьесу, но знаю, что если бы автор сумел бы написать приемлемый, жизненный финал, это была бы хорошая, или даже очень хорошая пьеса.
Теперь немного о спектакле. Всего 4 персонажа: 3 – основных (мать и её две дочери) + 1 второстепенная роль (на фото, девушка с закатанной штаниной). Мать - Элиан-Кешет – я уже упоминал выше. Дочери: старшая – Яэль Вакштейн (יעל וקשטיין) , младшая – Даниель Галь ( דניאל גל). Все трое играли хорошо и профессионально, актёры хорошо двигались по сцене, но … их игра не вызывала никаких чувств, несмотря на весь драматизм истории я не проникся к героям сопереживанием. Роль матери действительно хорошо скроена под Элиан-Кешет, Даниель Галь, в роли успешной младшей дочери, была очень убедительна, как впрочем и Яэль Вакштейн, в роли не очень успешной старшей дочери, … а вот не затронула их история, видимо не хватало того, что делает профессиональную игру талантливой, не хватало таланта.
В завершение, хочу упомянуть об элементарных нестыковках, которыми так грешат люди искусства.

1. В спектакле многократно повторяется, что мама не приезжала в Израиль 40 лет. Но при этом оказывается, она была здесь 7 лет назад и сделала то-то и то-то. Это как ??


2. Из одной сцены следует, что когда старшей дочери было 15 лет, мама ещё не уехала. Добавим 40, стало быть, на текущий момент старшей дочери уже 55! Она, конечно, выглядит на 35, но её желание завести семью и младенца с молодой женщиной не более 25 лет выглядит не очень этично. А самой маме тогда сколько? Скажем 75 (это реальный возраст Элиан-Кешет), тогда совсем странно её желание на возрождение карьеры.

Ох уж эти люди искусства, они устремлены ввысь, а мы, такие приземлённые, лезем тут со своей арифметикой 😊